Предметная культура Древнего Востока
Территориально к древнему Востоку относятся страны от Средиземного моря (Малая Азия, Восточное Средиземноморье, Египет) на западе до Тихого океана на востоке. Практически единой границей этого огромного пространства с севера является Великая Евразийская степь; южной его границей в Азии можно считать Индийский океан, в Африке - южный рубеж сферы влияния египетской цивилизации в районе 5-го порога Нила. Едва ли следует относить к древнему Востоку Карфаген и другие колонии выходцев из Финикии в Африке и Западном Средиземноморье: и по событиям их истории, и по многим чертам внутреннего устройства они были ближе античным обществам.
Хронологически началом истории древнего Востока для каждого из его регионов является возникновение государства и цивилизации. Под государством естественно понимать такой тип организации общества, при котором значительная часть его членов образует особую группу, постоянно (в древности часто и наследственно) занятую управлением. В обществах, достигших этой фазы развития, закономерно появляются городские поселения, монументальные дворцовые и храмовые сооружения, письменность, то есть главные атрибуты цивилизации.
Такая организация общества возникла раньше всего именно на древнем Востоке - в Египте и Месопотамии сер. IV тыс. до н.э. - потому, что именно здесь ее раньше всего настоятельно потребовали радикально усложнившиеся по сравнению с первобытностью условия жизни людей (возникновение в данных регионов такого типа хозяйства, как высокопродуктивное ирригационное земледелие). Распространение государственности и цивилизации на другие территории было связано не только с прогрессом жизни их обитателей, происходившим медленнее, но и с влиянием этих древнейших центров. Так, под большим влиянием Месопотамии в III тыс. до н.э. формировалась государственность на Иранском нагорье (Элам), в Малой Азии и в Восточном Средиземноморье. В Индии древнейшие государства возникли в III тыс. до н.э., в Китае - ок. рубежа III-II тыс. до н.э.
Таким образом, начало древней истории Востока варьируется от одного его региона к другому. К сер. I тыс. до н.э. государства и цивилизации сформировались уже на всем пространстве Востока, причем в нем выделилось три сравнительно замкнутых макрорегиона: Ближний и Средний Восток; Южная Азия; Дальний Восток.
Месопотамия. На рубеже IV - III тысячелетии до н. э., в аккадский период появилась форма храма - зиккурат (от вавилонского sigguratu - "вершина", в том числе "вершина горы") - ступенчатая пирамида, на вершине которой помещалось небольшое святилище. Нижние ярусы зиккурата, как правило, окрашивали в черный цвет, средние - в красный, верхние - в белый. Символика формы зиккурата - "лестницы в небо".
Египет. В III тысячелетии до н. э. великий зодчий древности Имхотеп создал сооружение из семи поставленных одна на другую гигантских плит. Каждая следующая плита была меньше предыдущей. Высота сооружения - 60 м. Это была первая ступенчатая пирамида.
Недалеко от древней столицы Египта - Мемфиса (Каир) на западном берегу Нила в городе Гиза в 2580 г. до н. э. была создана величайшая пирамида Хеопса (так называли древние греки египетского фараона Хуфу). Высота пирамиды 147 м. На протяжении 4000 лет это сооружение оставалось самым высоким в мире.
Настоящим произведением искусства Древнего Египта стал колонный зал Карнакского храма размером 103 на 52 м, со 134 колоннами, каждая из которых высотой в 23 м. Он создает ощущение ничтожности человека в обители царей и богов. Стены покрыты рельефами и росписями, украшены драгоценными камнями (XVI в. до н. э.).
Греция. В III - I тысячелетии. до н. э. на о. Крит строились дворцы, для архитектуры которых характерно переосмысление египетских приемов (например, использование колонн). Дворцы Кносса свидетельствуют о довольно развитой архитектуре. Древние зодчие точно учитывали течение вод, движение воздушных потоков, выбирали наиболее благоприятные места для построек, лучший материал, удачную форму зданий. Во дворце были водопровод и канализация.
Китай. В III тысячелетии до н. э. развивается бронзолитейное ремесленное производство в двух областях - производство оружия и ритуальных сосудов для жертвоприношений. В I тысячелетии до н. э. распространяется производство утилитарных бронзовых предметов (зеркала, посуда, подносы). К этому периоду относится первая картина на шелке (сюжет: летающие дракон и сфинкс).
Скифская культура - это самобытная культура кочевых и полукочевых племен, живших в I тысячелетии до н. э. на огромнейшей территории, простирающейся от Дуная до Великой Китайской стены. Особенность скифского искусства выражена в "зверином стиле".
Знаменитая сибирская коллекция Петра I, составлена из археологических находок в курганах Южной Сибири также представляет скифский "звериный стиль". Один из известнейших шедевров Эрмитажа - золотая фигура оленя, найденная археологами в скифском кургане у станицы Костромской на Прикубанье. Рельефная фигура оленя выполнена в VI в. до н. э., олень красовался на круглом железном щите в погребении скифского вождя.
Индия. Каменное зодчество I тысячелетия до н. э. известно главным образом по памятникам культового назначения: ступы, пещерные храмы и монастыри, мемориальные столбы - "стамбха". К памятника каменной скульптуры относятся капители колонн, изображавших животных (лев, бык, слон, лошадь).
3. Особенности развития искусства в Америке
К числу весьма значимых для общего развития континента следует отнести: Миссисипскую культурную общность, культуру Пуэбло и комплекс культур Северных Анд.
Примером высокоразвитой первобытной культуры Нового Света может служить так называемая ольмекская культура, существовавшая на южном побережье Мексиканского залива в I тыс. до н.э. в первой половине I тыс. до н.э. населявшие Ве- раскус и Табаско племена достигли высокого уровня развития. У них появляются первые "ритуальные центры", они строят пирамиды из самана и глины, сооружают памятники монументальной скульптуры. Примером таких памятников выступали огромные антропоморфные головы весом до 20 т. Широкое распространение получают рельефная резьба по базальту и нефриту, изготовление топоров-кельтов, масок и статуэток.
К числу наиболее значительных культур Мезоамерики классического периода относится теотихуаканская. возникшая в Центральной Мексике. В столице цивилизации сохранились Пирамиды Луны (высота 42 м), Пирамиды Солнца (высота 64,5 м), Дворец Пернатой Улитки, стены которого украшены фресковой живописью. Прекрасные образцы такой живописи имеются также в храме Земледелия.
После гибели Теотихуакана, в результате многократных смешений местных племен с пришлыми был основан город-государство Теночтитлан - столица ацтеков. Границы знаменитой империи ацтеков простирались от Северной Мексики до Гватемалы и от Тихоокеанского побережья до Мексиканского залива. В 1980-е гг., в результате землетрясений, земляных работ и раскопок в самом центре Мехико был открыт Главный храм ацтеков - Темпло Майор. Вскрыты также святилища главного бога Уицилопочтли и бога воды и дождя, покровителя земледелия Тлалока. Обнаружены остатки настенной живописи, образцы каменной скульптуры. Среди найденного особо выделяется круглый камень диаметром более 3 м с барельефным изображением богини Койоль-шаухки - сестры Уицилопочтли. В глубоких ямах-тайниках сохранились каменные фигурки богов, кораллы, раковины, керамические изделия, ожерелья и т.д.
Культура и цивилизация майя стали еще одним удивительным явлением доколумбовой Америки, существовавшим в I-XV вв. н.э. на территории юго-восточной Мексики, Гондураса и Гватемалы. Уже в первые века нашей эры майя достигают высочайшего уровня и удивительного совершенства в архитектуре, скульптуре и живописи.
В VI-IX вв. наивысших успехов достигают монументальная скульптура а живопись майя. Скульптурные школы Паленке, Копана и других городов добиваются редкого мастерства и тонкости при передаче естественности поз и движений изображаемых персонажей, каковыми обычно выступают правители, сановники и воины. Удивительным мастерством отличается также мелкая пластика - особенно небольшие статуэтки.
Сохранившиеся образцы живописи майя поражают изяществом рисунка и богатством цвета. Знаменитые фрески Бонампака являются признанными шедеврами живописного искусства. Они рассказывают о военных сражениях, изображают торжественные церемонии, сложные ритуалы жертвоприношения, грациозные танцы и т.д.
Наиболее успешно по-прежнему развивается архитектура. Одним из замечательных архитектурных памятников постклассического периода является пирамида Кукулькана - "Пернатого змея" в Чичен-Ице. На вершину девятиступенчатой пирамиды, где расположен храм, ведут четыре лестницы, окаймленные балюстрадой, которая внизу начинается прекрасно выполненной змеиной головой и в виде змеиного тела продолжается до верхнего этажа. Пирамида символизирует календарь, ибо 365 ступеней ее лестниц соответствуют числу дней в году. Она примечательна, кроме того, и тем, что внутри нее находится еще одна девятиступенчатая пирамида, в которой имеется святилище, а в нем - изумительный каменный трон, изображающий ягуара.
В Южной Америке, почти одновременно с ольмекской цивилизацией Мезоамерики, в конце II тыс. до н.э., в горах северо-восточной области Перу возникла не менее загадочная культура Чавин, похожая на ольмекскую, хотя и не связанная с ней. Уже со II тыс. до н.э. индейцы Перу и Боливии выплавляли металлы, обрабатывали золото, серебро, медь и их сплавы и делали из них не только прекрасные украшения, но и орудия труда - лопаты и мотыги.
В колониальный период формировалась культура, тесно связанная с европейской. Отдельно нужно отметить вклад в культуру Америки привезённых в негритянских рабов.
Искусство США является сравнительно молодым, оно сложилось вместе с американским государством, перенимая культуру прежних колоний европейских стран.
Профессиональная архитектура в американских колониях, появившаяся с середины XVII в., испытала значительное влияние английского неоклассицизма. С появлением в конце XIX в. так называемой "чикагской школы" американское зодчество не только избавляется от европейского влияния, но и начинает сама влиять на архитектуру других стран. Основатель школы Луис Салливен сформулировал принцип "функция определяет форму". Именно в это время в Чикаго появляются первые небоскрёбы - высотные здания на стальных каркасах, сооружение которых вызывала чрезвычайная дороговизна земли. Внешний вид зданий отражал их каркасную конструкцию и ячеистость пространственного построения интерьеров. Развивающаяся строительная техника позволяла архитекторам решать все более смелые конструкторские задачи.
В первой половине XX века сооружались постройки с гладкими поверхностями из стекла и бетона, в ультралаконичных, нарочито геометризованных формах. Архитектура развивалась в плане предельной простоты и конструктивности. Особенностями градостроительства оставались разномасштабность, полное несоответствие в облике и размерах рядом стоящих зданий, отсутствие какого бы то ни было "ансамбля" и архитектурного комплекса. Хотя, нужно отметить, отдельные небоскребы часто были интересны по архитектуре.
Однако начиная со второй половины XX в. стали появляться здания в духе "американского неоклассицизма", несшие архитектурные украшения прошлых эпох. Началось сооружение замкнутых комплексов зданий вокруг внутреннего двора.
В конце восемнадцатого и начале девятнадцатого века американские художники в основном писали пейзажи и портреты в реалистическом стиле. Профессиональные художники рисовали картины в патриотическом стиле, изображавшие, например, битвы Войны за независимость, а также портреты государственных деятелей, богачей и т. д. Параллельно как реакция на промышленную революцию в сельской Америке получают развитие американские промыслы.
Начиная с 20-х годов XIX в. в живописи начинает преобладать изображение повседневной жизни, бытовых сцен. Рисовалась главным образом идеализированная сельская жизнь. Важным моментом стало появление на картинах этого периода индейцев.
К концу XIX в. произошло становление самостоятельности и национальной специфичности американской живописи, несмотря на значительное влияние художественных школ Европы, где подолгу жили многие американские художники. Ведущее место стала занимать городская тематика (Томас Икинс). Значительную известность получили работавшие в это время Уинслоу Хомер, проникновенно изображавший людей среди природы, и портретист Дж. Сарджент. Искусство политической карикатуры демонстрировал Томас Наст.
В XX веке творчество американских художников охватывает широкий спектр стилей. Примитивы художников-самоучек все это время пользуются успехом. В начале века получает распространение индустриальный пейзаж, а также реалистическое изображение города со всеми его недостатками. В творчестве "областников" преобладает пейзаж и народный быт ферм и городков Среднего Запада и Юга.
По-прежнему велико было влияние европейских художественных направлений, которые проникали в Америку через серию выставок в Нью-Йорке, таких как Арсенальная выставка в 1913 году. Кроме того, многие выдающиеся европейские художники во время второй мировой войны эмигрировали в США. Переживал расцвет экспрессионизм.
После второй мировой войны получил развитие абстракционизм.
В 60-х и 70-х годах на основе поп-арта зародилось множество направлений, объединенных нигилистическим отношением к традициям мировой культуры.
4.Особенности развития искусства в Африке
Искусство народов Африки имеет долгую и сложную, почти еще не изученную историю.
Африканское искусство - объединённое название культурной деятельности различных этносов, проживающих на африканском континенте.
Собственно африканское изобразительное искусство, преимущественно скульптура, - есть искусство Западной и Центральной Африки. Главные центры развития искусства народов Африки находятся в западной ее части: Верхней Гвинее, бассейне реки Нигер, в Конго и в Анголе. Именно здесь достигло наивысшего расцвета художественное творчество народов Африки: скульптура, живопись и архитектура.
По мнению некоторых исследователей, для большинства продуктов "африканской культуры" свойственны общие черты:
Øв центре внимания находится человеческая фигура.
Øабстракция доминирует над реалистичностью.
Øглавная форма - скульптура. Из этого следует еще одна особенность: доминирование трёхмерного пространства над двумерным.
Øсильный, драматический экспрессионизм, отсутствие натурализма и острые, угловатые формы.
Распространённость своего рода акционизма, в котором используются предметы искусства. Тем самым предметы искусства из статичных превращаются в "движущиеся" (таковой может выступать маска, используемая во время церемонии).
Нелинейное масштабирование (искажённые пропорции), которое Леопольд Седар Сенгор называл "динамической симметрией".
Африканская пластика включает в себя маски и статуэтки, используемые в ритуальных целях. В целом маски можно разделить на две основные группы:
Устрашающие маски, где человеческие черты лица зачастую соединялось с чертами зверя. Их надевали члены тайных обществ во время традиционных празднеств или охоты за нечистой силой. Так человек в маске давал временное пристанище духу, которого эта маска изображала.
Африканские статуэтки, в большинстве случаев, изображают умершего человека, являясь вместилищем его души, или животное, которое было связанно с тотемным предком этноса, как например, распространенная статуэтка антилопы у народа бамана в Мали.
Культуры Африканского континента внесли значительный вклад в копилку мировой культуры. Прежде всего в контекст европейской культуры органически вошел джаз, рожденный на основе африканских традиций.
Появление в Европе африканской пластики имело наибольшее значение для мировой художественной пластики. Эхо культуры Черной Африки можно обнаружить в творчестве таких крупных художников XX в., как М. Вламинк, А. Дерен, Г. Матисс и прежде всего П. Инкассо. Последнему удалось сочетать двухмерную перспективу, принятую в западной живописи, с третьим измерением, представленным в формах африканской скульптуры.
Именно это сочетание привело к кубизму. Кубистскими формами африканской скульптуры прониклись художники наиболее авангардистских группировок и кубизм вошел в историю мировой культуры как одно из интереснейших художественных направлений.
Африканская скульптура явилась также источником вдохновения для творчества представителей немецкого экспрессионизма - Э. Нольде, Э. Хирх-нера и др. Способность к синтезу, которая характеризует искусство Черной Африки, до сих пор является одним из направлений художественных поисков мировой культуры.
5.История предметного мира античной Греции и Рима
Античная культура считается переходной. Греки жили по восточным ценностям, но впервые осваивали европейские.
Дворцы Кносса свидетельствуют о довольно развитой архитектуре. Древние зодчие точно учитывали течение вод, движение воздушных потоков, выбирали наиболее благоприятные места для построек, лучший материал, удачную форму зданий. Во дворце были водопровод и канализация. При раскопках в Кноссе археолог Эванс обратил внимание на совершенно уникальное обстоятельство: город не имел стен.
Для архитектуры характерно переосмысление египетских приемов (например, использование колонн). В античной культуре разработан архитектурный ордер, в классической форме сформировавшийся в Древней Греции.
Третьим чудом света (после пирамиды Хеопса, 2580 г. до н. э. и висячих садов Вавилона, 600 г. до н. э.) считается храм Артемиды в Эфесе (Лидия, 560 г. до н. э.), сооружен архитектором Хейрократом в 550 г. до н. э. в городе Эфесе на побережье Малой Азии (в настоящее время Сельчук, Турция).
Четвертым чудом света считается статуя Зевса в Олимпии (456 г. до н. э.). Олимпия - город в области Элида, на северо-западе полуострова Пелопоннес, где с 776 г. до н. э. по 394 г. н. э. каждые четыре года проводились Олимпийские игры.
Пятым чудом света считается Мавзолей в Галикарнасе. Мавсол был правителем Карии (территория современной Турции - туристический центр Бодрум). Столица Карии - Галикарнас. Ныне в Британском музее хранятся статуи львов, людей, животных. Обломки Мавзолея в Бодруме.
Шестым чудом света считается Колосс Родосский - гигантская статуя на Родосе - острове в Эгейском море (ныне Турция). Седьмым чудом света считается Александрийский маяк (простоял 1500 лет).
Первые крупные постройки в Риме производились по этрусскому примеру, возможно, даже этрусскими мастерами; поэтому Римская архитектура при самом своём зарождении усвоила себе важнейшую форму этрусского зодчества - циркульную арку. Употребление этой архитектурной формы и происходящих от неё коробового свода, крестового свода и купола, неизвестных грекам, дало римлянам возможность придавать большое разнообразие их сооружениям, воздвигать огромные здания, сообщать крупный размер и простор внутренним помещениям и строить этаж над этажом. Однако в целом, римская архитектура испытала сильное влияние греческой архитектуры.
Для сооружений характерны монументальность, пышная отделка зданий, множество украшений, стремление к строгой симметрии, интерес к утилитарным сторонам архитектуры, к созданию преимущественно не храмовых комплексов, а зданий для практических нужд.
Римское искусство уступало греческому искусству в изяществе пропорций, но не в техническом мастерстве. К этому периоду относится сооружение двух самых известных римских памятников: Колизея (самого большого амфитеатра античного мира) - одного из многих грандиозных сооружений, воздвигнутых римлянами по всей империи, а также Пантеона, храма во имя всех богов. Стены, потолки и полы общественных зданий, а также дворцов императоров и богатых домов частных лиц украшались росписью или мозаикой. В архитектуре римлянам также недоставало греческого чувства стиля и вкуса, но они были более искусны с технической точки зрения в сооружении арок, сводов и куполов. Строительство велось в огромных траншеях, поскольку обширная империя нуждалась в поражающих воображение общественных зданиях.
6.Византия как основа формирования русского искусства
Византийские зодчие заимствовали римский купол, но в качестве опор впервые использовали не массивные стены, а четыре угловых устоя с остроумным "гашением" тяжести свода посредством связанной системы парусов и малых куполов. Пересечение образовавшихся внутренних пространств создавало в плане форму креста. По прошествии веков эта конструкция стала типичной для всей христианской архитектуры - на Западе более распространена базилика в форме удлиненного "латинского креста", на Востоке - равноконечного "греческого". В храме Св. Софии применены наружные контрфорсы, ослабляющие боковой распор перекрытия. Планировка исключительно рациональна и основывается на сочетании квадратов, кругов и простых целых чисел, что сообщает внутреннему пространству образ спокойствия, устойчивости, величия.
Красота византийской архитектуры сосредоточена внутри. В этом состоит одно из ее отличий от древнегреческой и римской.
Снаружи византийские церкви выглядят аскетично, сурово, иногда даже мрачно. Преобладает красный цвет кирпичной кладки. Она разнообразится узкими полосами - рядами наклонно поставленных кирпичей, образующих зигзагообразный узор.
С XI в. используется чередование горизонтальных рядов красного кирпича и белого камня, либо светло-желтого плоского кирпича - плинфы - или толстых слоев белого раствора. Эта "полосатость", как и аркада, - свойство восточной, арабской архитектуры - является отличительной чертой византийского стиля.
(И. Э. Грабарь История русского искусства. История живописи. Глава 2.Происхождение древнерусской живописи)
Известный специалист по истории русского искусства и архитектуры Г. И. Ревзин отмечает, что для русского зодчества, в отличие от западноевропейского, характерно особое переживание пространства: в византийском основное - интерьер, в русском - местоположение сооружения как доминанта ландшафта (храм Покрова на Нерли, Теремной дворец в Коломенском, храм Христа Спасителя и др.).
Средневековая архитектура России. Десятинская Церковь (989 - 996 гг., Киев) - заметно влияние византийского стиля (Болгарии, Грузии и Армении). Раскопки фундамента церкви показали, что здание было возведено из плоских кирпичей византийского типа (плинфы). Софийский Собор (1037 г., Киев) построен константинопольскими мастерами, но отличен от византийской традиции. К концу XII в. на смену статичным, уравновешенным храмам, увенчанным одной массивной главой, со спокойным ритмом закомар и скупым декоративным убранством фасадов приходят здания со столпообразным построением объема, динамичностью композиции, богатой декоративной разработкой фасадов с трехлопастным их завершением (Спасский собор Евфросиньева монастыря (ок. 1161 г., г. Полоцк, Беларусь) и Дмитриевский собор (1194 - 1197 гг., Владимир).
В первые моменты своего существования русская живопись была простой ветвью искусства Византии.
После крушения Византии и балканских государств Россия волей судьбы сделалась прямой наследницей великого тысячелетнего искусства. В 15-м и 16-м веке не Крит, не южноитальянские города, не Афон даже, но Новгород и Москва стали столицами искусства византийской основы. Новгородские мастера работали для ханов Золотой Орды, новгородцы писали для немцев Ганзейской колонии Новгорода [2-я новгородская летопись под 1386 годом.], новгородские художники покрыли фресками, еще сохранившимися и ныне, капеллу Святого Креста в Краковском соборе в 1471 г. [Felix Kopera. O malarstwie byzantinskiem w Polsce. Polskie Museum. K. I. Z. VIII].
Следует перечислить подробнее те итальянские черты, которые Н. П. Лихачев и Н. П. Кондаков считают занесенными в русскую живопись через посредство Византии и южнославянских стран. Внимание обоих ученых привлекла более всего иконография, и особенно иконография Богоматери. Оба исследователя исходят из того положения, что византийская иконография Богоматери, сложившаяся к 10-11-му веку, ограничивалась только символическими композициями "Знамения", "Одигитрии", "Деисуса", "Печерской". "Приступая к разбору изображений Божией Матери в Византии, - пишет Н. П. Лихачев, - мы должны прежде всего отметить коренное внутреннее отличие их от Мадонн итальянской живописи. Мадонны великих итальянских мастеров изображают мать и младенца... Византийские изображения - иное, это "образы" в полном смысле этого слова, живописное представление богословских идей" [Н. П. Лихачев. "Историческое значение итало-греческой иконописи", стр. 41-42.]. Далее Н. П. Лихачев и Н. П. Кондаков указывают на обилие в русском искусстве типов изображения Богоматери, по-видимому, совершенно неизвестных Византии 10-11-го века, - прежде всего "Умиления", изображающего мать с нежно обнявшим ее и прильнувшим к ее щеке младенцем, типа "Млекопитательницы", "Коневской", "Страстной" и еще многих других [Подробный перечень этих иконописных типов дан в трудах Н. П. Кондакова и Н. П. Лихачева.]. Все эти типы упомянутые русские ученые считают занесенными с Запада в искусство Византии, a оттуда в русскую живопись. В конце 14-го века новая волна южнославянского влияния, столь заметная в рукописях, принесла новые образцы и даже совсем неизвестные до того "переводы". В связи с этим влиянием и художественным движением в самой Византии русская иконопись получает развитие, замеченное современниками и связанное с именем Рублева.
7. Предметный мир Средневековья
Прикладные виды искусства варварской культуры. Декоративно-прикладное творчество представлено кузнечным и оружейным делом, ткачеством и прядением, обработкой кож, резьбой по кости и камню, судостроением, военно-фортификационном искусством.
Искусство романского стиля. Храмы, типичные для романского стиля, чаще всего развивают базиликальную форму. Романская базилика - трехнефное (реже пятинефное) продольное помещение, пересекаемое одним, а иногда и двумя трансептами. Для романского стиля характерны перекрытия главного нефа массивным сводом из клинчатых камней. Такое нововведение создавало новые художественные возможности. Раньше всего появился, видимо, цилиндрический свод, иногда с подпружными арками в главном нефе.
Самая большая сохранившаяся церковь в романском стиле - Шпейерский собор в городе Шпейер в Германии. С 1981 года - объект всемирного культурного наследия ЮНЕСКО.
Пизанская башня - колокольная башня, часть ансамбля городского собора Санта-Мария Ассунта в городе Пиза (1360 г.).
Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня - донжон. Вокруг нее располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм - кубов, призм, цилиндров.
Замки строились из камня и состояли из трех частей: верхний этаж - жилище владельца; нижний этаж - челядь, склады, конюшня, загоны для скота; подвал - колодец и тюрьма. Важным элементом замка являлась дозорная башня. Во Франции башни назывались донжóн, в Германии - бéргфрид.
Наиболее выразителен в архитектуре романского стиля - замок Ланжé XII в., принадлежавший Ричарду Львиное Сердце (конец XIII в.), а также замок Шинóн - резиденция Карла VII.
В эпоху Средневековья главный вид изобразительной деятельности заключался в декорировании и иллюстрации рукописных книг. Во всех странах Европы - Франции, Германии, Италии - существовали центры по производству этих книг.
В. П. Шестаков, анализируя характерные особенности средневековой рукописной книги делает следующие выводы:
а) художники и декораторы средневековой книги не были анонимны. Каждый автор был не только ремесленником (переписчиком, иллюстратором), но и создателем своей модели мира. Поэтому он был одновременно и теоретиком и историком, что позволяет нам относить средневековую книгу к истории искусства;
б) иллюминированная книга показывает эволюцию в стиле письма, оформлении миниатюр и содержании;
в) с самого возникновения изготовления книг они становятся предметом коллекционирования и собирания.
Псалтирь из Горлестона относится к периоду расцвета английской миниатюры, она датируется 1250 - 1270 гг. Это большая книга, заключающая 228 листов размером 14,5 на 9,5 дюймов. На каждой странице по 16 строчек текста. Псалтирь включает календарь, песнопения, молитвы, поминальный список. По мнению В. П. Шестакова, ни одна другая из английских рукописных книг не обладает таким большим количеством зооморфных украшений зайцев, собак, обезьян, лис, львов, кабанов, гусей, изображенных в гротескном виде, часто в виде пародии на человека.
Искусство готического стиля. Архитектура. С середины XIII в. начинается строительство зданий светского назначения - городских ратуш, рынков, цеховых домов, а также роскошных замков знати. Все элементы экстерьера и интерьера сооружений подчинялись готической архитектурной форме. Основной принцип новой конструкции: давление крестового свода передают арки и нервюры на колонны (столбы), а боковой распор воспринимается аркбутанами и контрфорсами.
С технической точки зрения, готика была системой, позволяющей использовать гораздо менее массивные несущие конструкции для обеспечения устойчивости более высоких сооружений. Это стало возможно благодаря таким относительно новым приемам, как стрельчатая арка, ребристый свод и мощные наружные столбы (контрфорсы) со связующими косыми арками (аркбутанами). Стрельчатая арка считается символом готики.
Еще одним достижением готической архитектуры был арочный контрфорс, который выдерживал внешнюю нагрузку созданную весом свода.
Общим результатом применения названных приемов стало то, что массивные церковные строения приобрели вид легких скелетообразных каркасов.
В Англии среди многих шедевров готической архитектуры можно назвать Уэльский, Линкольнский и Солсберийский соборы, Йоркский кафедральный собор, Вестминстерское аббатство и церковь Св. Георга, а также Виндзорский замок. На смену довольно невзрачной "раннеанглийской" фазе (ок. 1180 - 1280 гг.) пришел период "украшенного" стиля (ок. 1280 - 1360 гг.), отмеченного появлением многих сугубо национальных черт. Но в целом богатый декор был больше свойствен континентальной Европе.
Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее - наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы.
Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены.
8. Предметный мир эпохи Возрождения
возрождение искусство предметный мир
Пространственные виды искусства раннего Возрождения. В архитектуре - возвращение к принципам и формам античного римского искусства, принципам симметрии, пропорции, геометрии и порядку архитектурных частей (Филиппо Брунеллески (1377 - 1446 гг.), Донателло (1386 - 1466 гг.), Мазаччо (21.12.1401 - 1428 гг.), Боттичелли Сандро (1445 - 17.5.1510 гг.).
В XIV - XV вв. - производство шпалер (от итал. "ряд деревьев") в Париже, затем Турине. Сюжеты ковров "мильфлера" (франц. "тысяча цветов"): библейский, сцены из реальной жизни людей, сюжеты средневековой литературы ("Дама с Единорогом", Париж).
В конеце XV - начале XVI в. в архитектуре большую роль играет рельефное оформление стены. В это время возводятся сооружения, ставшие шедеврами мирового зодчества, работает плеяда выдающихся архитекторов Италии: Джулиано да Сангалло - церковь Санта-Мария делле Карчери в Прато (1485 - 1490 гг.), Бальдассарре Перуцци - Палаццо Массимо (1536 г.), Рафаэль - церковь Сант-Элиджо дельи Орефичи (с 1509 г.), капелла Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512 - 1520 гг.), Палаццо Видони-Каффарелли (с 1515 г.), Микеле Санмикели (1484 - 1559 гг.) - Палаццо Бевилаква (1532 г.) и городские ворота Порта Нуова (1533 - 1540 гг.), Якопо Сансовино (1486 - 1570 гг.) - библиотека Сан-Марко (1536 - 1554 гг.) и Монетный двор (начат в 1536 г.).
Живопись высокого Возрождения. Италия. Леонардо да Винчи (1452 - 1519 гг.). Он достиг эффекта рассеяния света в воздухе через смягчение цветовых контрастов и линий ("Дама с горностаем" (1484 г., Краков), "Портрет музыканта" (1484 г., Милан), "Мона Лиза", (1503 - 1506 гг., Париж), "Св. Анна с Марией и младенцем Христом" (1500 - 1510 г., Париж), "Иоанн Креститель" (1515 г., Париж)).
Тициан Вечеллио (1477 - 1576 гг.). Достиг вершин как в живописном мастерстве, так и в эмоционально-психологическом толковании религиозных и мифологических тем ("Даная", "Венера перед зеркалом", "Диана и Актеон", "Диана и Каллисто"). Элемент так называемой "поздней манеры", характерной для последних работ Тициана ("Святой Себастьян", "Пастух и нимфа", "Наказание Марсия", "Оплакивание Христа"), оказал влияние на становление крупнейших художников XVII века.
Германия. Своеобразие немецкого Возрождения раскрывается в живописи и графике А. Дюрера, М. Нитхардта, Л. Кранаха Старшего, А. Альтдорфера, X. Хольбейна Младшего, скульптуре Т. Рименшнейдера, Ф. Штоса, А. Крафта и др.
Англия. Элементы стиля Возрождения в искусстве Англии (в большой мере под влиянием работавшего в Англии X. Хольбейна Младшего) нашли выражение в миниатюрном портрете (Н. Хиллиард, А. Оливер), в усадебном и дворцовом строительстве (рациональные по планировке кирпичные дома с холлом и галереей).
В Дании, Швеции и Финляндии черты Возрождения проявились в основном в архитектуре замков, усадеб и общественных зданий.
Крупными центрами культуры и искусства Возрождения были также страны Центральной, Восточной и Юго-Восточной Европы - Хорватия, Венгрия, Польша, Чехия и Словакия. В XVI в. влияние искусства Возрождения проникло также в Трансильванию (ныне северо-запад Румынии), Западную Украину (Львов) и Литву (Вильнюс, Каунас и др.).
В архитектуре барокко акцентами стали колоннада, купол, игра света и тени, яркие цветовые эффекты, игра масс и пустого пространства. В интерьерах важными мотивами стали монументальные лестницы, длинные анфилады комнат (в конце анфилады - тронный зал или спальня господина). Архитекторы барокко разрушают тектоническую связь между интерьером и фасадом здания, используя античные ордерные формы (фасад церкви Иль Джезу (1568 - 1584 гг., Джакомо Виньола; фасад - 1575 г., Джакомо делла Порта).
Характерными особенностями художественного решения работ, относящихся к стилю маньеризм, можно считать взвинченность и изломанность линий; удлиненность или даже деформированность фигур, напряженность поз (контрапост); необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой; использование едкой хроматической гаммы; перегруженность композиции и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается уже у Рафаэля и Микеланджело, Тинторетто и Тициана. К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино и др.
9. Западноевропейское искусство Нового времени
Художественная культура эпохи Просвещения.
Барокко (итал. "причудливый") - художественный стиль, возникший в конце XVI в. (позднее Возрождение) продолжил свое развитие в эпоху Просвещения до середины XVIII в. Основные черты барокко - парадность, торжественность, пышность, динамичность, жизнеутверждающий характер, стремление к синтезу искусств.
Рококо (от фр. "декоративная раковина", "ракушка", "рокайль") - стиль, возникший в первой половине XVIII в. во Франции как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту.
Классицизм (от лат. "образцовый") - стиль и направление в литературе и искусстве, формирующиеся в XVII в. (Франция), обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. В XVIII в. классицизм в искусстве связан с идеями Просвещения.
Сентиментализм (франц., англ. "чувствительный") - течение в литературе и искусстве 2-й половины XVIII в. Не порывая с Просвещением, сентиментализм полагал не "разумное" переустройство мира, а высвобождение и совершенствование "естественных" чувств. Внутренний мир героя просветительской литературы в сентиментализме индивидуализирован, способен сопереживать, откликаться на происходящее вокруг.
Романтизм (франц.) - идейное и художественное направление в европейской и американской духовной культуре конца XVIII в. как проявление интереса к личности, продолжит свое развитие в 1-й половине XIX в. Для романтического героя характерно гордое одиночество, разочарованность, трагическое мироощущение и в то же время бунтарство и мятежность.
Для архитектуры барокко XVII в. характерны развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры, купола сложной формы, теламоны (атланты), кариатиды, маскароны. Представители: Карло Мадерна - фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.), Бернини - оформление площади и интерьеры собора Св. Петра в Риме (1620 г.), Коранаро - капелла церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645 - 1652 гг.). Стиль барокко получает распространение в странах Европы: Франции (Версальский дворец с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др.), Бельгии (ансамбль Гранд-Плас в Брюсселе; дом Рубенса в Антверпене); Германии (Новый дворец в Сан-Суси (И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер) и Летний дворец (Г. В. фон Кнобельсдорф), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Шенбрунн (Австрия).
Архитектура классицизма. Регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности, симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов (Жак-Жермен Суффло, церковь Сен-Женевьев, Париж).
Архитектура романтизма. Развитие романтизма в архитектуре совпало с началом использования новых конструкций, строительных материалов и строительных методов. В конце XVIII в. металлические конструкции вначале применяли в различных инженерных сооружениях (Англия, Франция). Вопрос создания моста из металла рассматривался впервые французскими инженерами в 1719 и 1755 гг.
К XVIII в. Италия обладала лучшим в мире музыкальным театром, в котором различались опера-сериа (серьезная опера) и опера-буффа (комическая опера). Существовал кукольный театр. В эпоху Просвещения импровизированная комедия уже не отвечала требованиям времени. Театральную реформу осуществил выдающийся итальянский драматург венецианец Карло Гольдони (1707 - 1793 гг.). Персонажи его театра утратили свое условное содержание и стали людьми своей эпохи и своей страны: "Слуга двух господ" (1745 г.), "Хитрая вдова" (1748 г.), "Трактирщица" (1753 г.).
В конце XVIII в. в итальянском театре важнейшим жанром становится трагедия. Создателем национальной трагедии классицизма по праву считается выдающийся итальянский драматург Витторио Альфьери (1749 - 1803 гг.). Его трагедии проникнуты героическим пафосом борьбы за свободу ("Клеопатра", "Мария Стюарт", "Саул" и др.).
Балет. В 30-е годы XVIII в. французская балерина Мария Камарго укоротила юбку и отказалась от каблуков. К концу XVIII в. балетный костюм становится значительно более легким и свободным, что в немалой степени способствовало развитию техники танца. Развивается пальцевая техника женского танца (Мария Тальон). Балеты Лео Делиба "Коппелия" и "Сильвия" считаются первыми симфонизированными балетами. Вместе с тем обозначился и упрощенный подход к балетной музыке в балетах Ч. Пуньи, Л. Минкуса, Р. Дриго и др., как музыке мелодичной, четкой по ритму, служащей лишь сопровождением.
Балет романтизма утверждает Адольф Адана - "Жизель" и "Корсар".
Как видим, в эпохи Возрождения и Просвещения стремительное развитие искусства проявилось в разнообразии стилей, появлении стилей-антагонистов. Стилю барокко противопоставляется классицизм. Противоречие стилей барокко и классицизма порождает стили рококо и сентиментализм, которые сменяются романтизмом.
Особенностью развития культуры эпохи Просвещения появляется тенденция одновременного существования нескольких стилей, которые могут проявлять себя в отдельных видах искусства.
. Влияние западноевропейских тенденций на станковые виды искусства ХIХ века
Культура XIX в. является культурой сложившихся буржуазных отношений, отражающей внутренние противоречия буржуазного общества. В этот век происходит развитие машинного производства. Ведущей доминантой культуры XIX в. становится наука.
Обратимся к художественным стилям предшествующей эпохи Просвещения и выясним, какие их них перестали существовать к XIX в., а какие продолжали свое развитие.
Барокко и рококо остались в прошлом. Для них было характерно нарастание динамизма, чувственности, что отвечало стремительному развитию производительных сил, технологий, социальных отношений. Сентиментализм еще будет наблюдаться в искусстве до середины XIX в., но его роль уже не будет столь значительной как в XVIII в.
Классицизм, обращающийся к античному наследию, и романтизм, как проявление интереса к личности, продолжают свое развитие в новое время. Однако уже первой трети XIX в. стиль ампир (от франц. империя) в архитектуре и декоративном искусстве завершил развитие классицизма, переродившегося в середине XIX в. в академизм.
Стиль реализм утверждается в 30 - 40-е гг. XIX в. в художественной литературе и изобразительном искусстве и к середине столетия становится господствующим направлением в европейской культуре.
Во Франции в 1860 - 1880 гг. формируется символизм, а в 80-х гг. XIX в. становится влиятельным направлением в литературе натурализм.
Во второй половине XIX в. формируется стиль модерн (от фр. современный) или Ар-нуво ("новое искусство") - художественное направление в искусстве, которое будет иметь место и в начале XX века.
Натурализм (франц. "природный", "естественный") во второй половине XIX в. в Европе и Америке складывается как направление в художественной литературе и искусстве.
Импрессионизм (фр. "впечатление") - художественный стиль в искусстве последней трети XIX - начала XX вв.
классицизма. Тяжеловесный и торжественный ампир, как завершающий этап классицизма, сложился во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Широкое применение ордерной системы, преобладание прямолинейных очертаний, массивных геометрических объемов. Архитектор Пьер Виньон (1762 - 1828 гг.) при постройке парижской церкви Мадлен, дополнившей ансамбль площади Согласия, обратился к величавой и компактной форме периптера. Становится излюбленным мотив триумфальной арки. Ведущими мастерами ампира во Франции были: Ш. Персье и П. Ф. Фонтен (дворцовые интерьеры Лувра и Тюильри; загородные императорские резиденции в Версале, Мальмезоне, Компьене, Сен-Клу; Арка Карусель, 1806 - 1811 гг.); Ж. Ф. Шальгрен (Арка Звезды на Елисейских полях; Вандомская колонна, увенчанная статуей Наполеона, 1806 - 1810 гг.). Шарль Персье (1764 - 1838 гг.) и Франсуа Фонген (1762 - 1853 гг.) в несколько уменьшенных пропорциях воспроизводит античную арку Септимия Севера в триумфальной арке, установленной перед комплексом Лувра (1806 - 1807 гг.) в Париже.
Архитектура романтизма. Особенностью развития романтизма в архитектуре первой половины XIX в. было использование новых конструкций, строительных материалов и строительных методов. Из железа и стекла были сооружены оранжерея ботанического сада в Париже (1833 г., автор Руо), оранжерея в парке Ледницкого замка (1845 г., автор Девьен).
Во второй половине XIX в. происходит дальнейшее развитие конструкций подвесных мостов, особенно после изобретения вантовых конструкций; их зрелым примером являются Бруклинский мост в Нью-Йорке и мост над Ниагарским водопадом (1869 - 1883 гг.), реализованные по проекту инженеров Д. и В. Реблингов.
Архитектура модерна. Родоначальником модернизма в Европе и США считают русского архитектора Бертольда Любеткина (1900 - 1990 гг.), основателя группы "Тектон" (Лондон). Здания, которые они проектировали, имели характерную особенность - отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, "природных" линий, использование новых технологий (металл, стекло). К раннему модерну относятся также проекты: "стилистические близнецы" - нарядный Дом Висенс (Барселона) и причудливый Эль Капричо (Комильяс, Кантабрия); также компромиссный псевдобарочный Дом Кальвет (Барселона) (Антонио Гауди ).
Зрелый модерн (конец 1900-х и 1910-е годы) приобрел черты интернационального стиля, основанного на применении принципиально новых художественных форм.
Быстрому распространению модерна способствовали журналы "Revue blanche" (189 г., Париж), "The Studio" (1893 г., Лондон), "The Yellow Book" (1894 г., Лондон), "Jugend" (1896 г., Мюнхен), "Deutsche Kunst und Dekoration" (1897 г., Дармштадт), "Ver Sacrum" (1898 г., Вена), "Мир искусства" (1898 - 1899 гг., Петербург).
Скульптура. Импрессионизм в скульптуре получил воплощение в творчестве О. Родена (1840 - 1917 гг.). Наиболее известны его произведения: "Мыслитель", "Адам", "Ева", "Вечная весна", "Поцелуй". Все они создавались скульптором для единого скульптурного комплекса "Врата ада". В скульптурной группе "Граждане Кале" Роден воплотил темы человеческого героизма и стойкости.
Истоком романтизма в театре принято считать эстетическое движение "Бури и натиска" (нем. Sturm und Drang), яркими представителями которого были Ф. Шиллер ("Разбойники", "Заговор Фиеско в Генуе", "Коварство и любовь") и И. В. Гете ("Гец фон Берлихинген" и др.).
Романтизм оказал влияние и на развитие актерского искусства: впервые в истории основой создания роли стал психологизм. На смену рационально выверенной актерской манере классицизма пришла бурная эмоциональность, яркая драматическая экспрессия, многогранность и противоречивость психологической разработки характеров. Сопереживание вернулось в зрительные залы; кумирами публики стали крупнейшие драматические актеры-романтики: Э. Кин (Англия); Л. Девриент (Германия), М. Дорваль и Ф. Леметр (Франция); А. Ристори (Италия); Э. Форрест и Ш. Кашмен (США); П. Мочалов (Россия).
Опера в стиле романтизма. Расцвет романа нового типа (например, в творчестве В. Скотта), вызвал к жизни ряд итальянских опер. Россини заимствовал сюжеты из романов В. Скотта для двух своих опер - "Елизавета, королева Английская" и "Дева озера". Доницетти прославился "Лючией ди Ламмермур", либретто которой написано по роману В. Скотта "Ламмермурская невеста", Беллини покорил Европу оперой "Пуритане" также по роману Скотта.
Дж. Россини (1792 - 1868 гг.) был мастером оперы-буффа. С 1813 г. по 1817 г. им написаны "Итальянка в Алжире" (1813 г.), "Турок в Италии" (1814 г.), "Золушка" (1817 г.) и "Севильский цирюльник" (1816 г.).
Балет. Особенно яркое выражение романтизм получил в балете. Романтический балет сформировался во Франции на рубеже второй трети XIX в. и получил распространение по всей Европе. С утверждением романтизма в балетном спектакле главенствующее положение заняла танцовщица, получила развитие прыжковая техника, возникла техника танца на пальцах (пуантах), что открыло новые выразительные возможности (итальянская танцовщица Мария Тальони (1804 - 1884 гг.) в "Сильфиде").
От романтического балета берут начало ансамблевые танцы - форма унисонного кордебалетного танца, которая получит дальнейшее развитие на протяжении XIX в. Ансамблевый танец представлял собой массу танцующих, действующих синхронно, образующих симметричные группы и аккомпанирующих танцу солистов. Особенно ярко эти черты проявились в балете "Жизель" композитора А. Адана, поставленном в Париже в 1841 г. балетмейстерами Ж. Перро и Ж. Коралли.
Кино. Первые короткометражные фильмы (15 - 20 м, ок. 1,5 мин. демонстрации) были по большей части документальные. В комедийной инсценировке братьев Люмьер "Политый поливальщик" отражаются тенденции зарождения игрового кино. Небольшая длина первых фильмов была обусловлена техническим несовершенством киноаппаратуры, тем не менее уже к 1900-м годам длина кинокартин увеличилась до 200 - 300 метров (15 - 20 мин. демонстрации).
Конец XIX в. - создание кинескопов, биоскопов, витаскопов и др. примитивных видов кинопроекторов.
г. - изобретение немого кино. Демонстрация изобретения в США Т. Эдисоном, в Англии - Р. У. Поллом.
г. - изобретение синематографа (соединение пленки с проекционным фонарем) братьями Огюстом и Луи Люмьерами. Появление первых документальных фильмов братьев Люмьер ("Прибытие поезда" и т. д.).
г. - во Франции и Германии появились первые научно-популярные фильмы.
. Влияние западноевропейских тенденций на прикладные виды искусства ХIХ века
В академической литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
Основные виды декоративно-прикладного искусства
ØБатик (Холодный. Горячий)
ØНабойка
ØБисероплетение
ØВышивание (Счетная. Свободная. Бисером. Нитяная графика)
ØВязание (Крючком. Спицами)
ØПлетения (Макраме. Кружево. Бисер)
ØКовроткачество
ØКвиллинг
ØКерамика
ØМозаика
ØЮвелирное искусство
ØЛаковая миниатюра (Палехская. Федоскинская. Холуйская. Мстерская)
ØХудожественная роспись по дереву (Хохлома. Городец. Мезенская)
ØХудожественная роспись по металлу (Жостовская. Финифть. Лиможская эмаль)
ØХудожественная роспись по керамике (Гжель. Дымковская игрушка. Филимоновская игрушка)
ØХудожественная резьба (По камню. По дереву. По кости)
ØХудожественная ковка
ØХудожественное литье (из благородных металлов, бронзы и латуни, из чугуна)
ØЧеканка
ØПирография (выжигание по дереву, коже, ткани и т. д.)
ØРабота со стеклом (Витраж. Витражная роспись)
ØОригами
ØБумагопластика
ØКорнепластика
. Факторы, повлиявшие на формирование искусства в конце XIX и начале XX вв.
Общая характеристика XX в. - торжество науки, человеческого интеллекта, эпоха социальных бурь, потрясений, парадоксов. Современное общество, формируя высокие идеалы любви к человеку, равенства, свободы, демократии, одновременно породило упрощенное понимание этих ценностей, поэтому процессы, происходящие в современной культуре, столь разносторонни.
Искусство XX в. развивалось по нескольким направлениям, но ни один стиль не вытекал из другого, ни один метод не был причиной возникновения нового метода. Судьба наиболее ярких художественных стилей оказалась различной: одни (кубизм, дадаизм) - развития не получили, другие (реализм, модернизм) - подверглись многочисленной модификации и, модернизируясь, "дожили" до конца XX столетия.
Реализм на рубеже столетий выполнял задачу правдивого отражения социального бытия, борьбу за социальную справедливость и достоинство человека, и проявил себя, прежде всего, в пространственных, временных и пространственно-временных видах искусства.
Модернизм - это характерная черта XX в., независимая от социальных слоев, стран и народов. Нереалистические направления и методы в XX в.: символизм, акмеизм, футуризм, имаженизм, импрессионизм, сюрреализм, экспрессионизм. В 70-е годы XX в. обозначился кризис модернизма, его регрессивный характер, что породило новые течения постмодернистского характера. Под термином "модернизм" в XX - XXI вв. принято понимать широкую совокупность стилистических направлений, объединяющая черта которых - отсутствие прямых апелляций к историческим стилям и ярко выраженное стремление выработать язык, соответствующий реалиям индустриального, а затем и постиндустриального общества (конструктивизм, функционализм, интернациональный стиль, органическая архитектура, Hi-Tech (хай - тек), неоконструктивизм и пр.).
Архитектура модернизма. Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 г. в Париже. Как сложившаяся система модернизм выступает с 1920-х гг. Философские истоки его - идеи Ницше, писхоаналитические концепции Фрейда, Юнга.
Архитектура конструктивизма. Впервые четко проявились в советском искусстве (1923 г., Москва).
Интернациональный стиль. Направление, восходящее к строгому рационализму. Термин "баухауз" был впервые употреблен американцами Генри-Расселлом Хичкоком и Филиппом Джонсоном в 1932 г. в книге The International Style: Architecture Since 1922 (Нью-Йорк, 1932 г.), в которой они сформулировали три основных принципа новой архитектуры: "архитектура как объем" в противовес массе; регулярность вместо симметрии; отказ от неконструктивного декора. Геометричные, из металла, стекла и бетона структуры стиля отличаются элегантностью, высоким техническим совершенством, однако в особенности при массовом копировании его образцов игнорировали своеобразие местных пейзажей и исторической застройки (отели "Хилтон", одинаковые в любой точке земного шара). Критика интернационального стиля явилась важнейшим стимулом формирования архитектурного постмодернизма и в 1950-х гг. популярность "интернационального стиля" пошла на убыль.
Хай-Тек (от высокие технологии), который также называли рационализмом, появился в начале 1930-х гг. Хай-Тек приносит в интерьер ощущение света и пространства, акцентирует внимание не на цветовой гамме или рисунке, а на форме и фактуре архитектурных деталей и предметов интерьера. В архитектуре сформировались новые принципы градостроительства: социальная направленность жилища, его функциональное соответствие насущным потребностям обитателей.
. Всемирные промышленные выставки и их влияние на формирование предметного мира
Инициатором официального показа промышленных изделий стала Англия - первая страна капитализма, авангард новой экономической формации. Произошло это в 1756 году. Но эта выставка еще не была не только всемирной, но и международной. Первая всемирная выставка открылась почти через 100 лет - в 1851 году в Лондоне, когда стали очевидными необходимость расширения рынка и поиск новых потенциальных потребителей продукции стремительно возрастающей промышленности. Торжество новой техники называлось: "Великая выставка изделий промышленности всех наций 1851 года".
Для экспозиции выставки был специально построен архитектором Джозефом Пэкстоном грандиозный дворец из стекла и стали - Кристалл-палас (Хрустальный дворец). Именно здесь в выставочной архитектуре произошел сдвиг от живописности и украшательства к инженерии, что стало главной тенденцией развития архитектуры XX века. В проекте дворца был использован принцип металлического каркаса - железные столбы и рамы со стеклянным заполнением, модуль несущих столбов в 24 фута (примерно 720 см), монтаж готовых блоков.
Дворец стал эпохальным сооружением, предвосхитившим новые методы строительства.
Со второй половины XIX века начали меняться экономические условия, технический уровень и потенциал, но эстетический фон эпохи менялся медленно, почти незаметно. Эстетические нормы классицизма были уже полностью разрушены. Интерьера, объединенного единым стилем культуры, больше не существовало. В выставочных экспозициях, как в зеркале, отразилась вся пестрота европейской архитектуры, и во всем -эклектизм.
Начиная с "Хрустального дворца", всем выставочным павильонам дальнейших выставок придавали вид "дворцов". Они так и назывались - "Дворец сельского хозяйства", "Дворец электричества" и т.д., дворцы всех видов, всех эпох, в любом материале - от металла и стекла до злаков и овощей.
Первые экспонаты промышленных выставок представляли собой любопытное зрелище. Инженеры, создавая опытные выставочные образцы паровозов, котлов локомобилей, насосов и сенокосилок, пытались придавать им те или иные архитектурные формы в стиле барокко, готики, предназначенные для иных функций и возникшие совсем в иные времена, обильно покрывали их орнаментикой методом литья, чеканки и т.д.
Прототипом выставочного оборудования - витрин, стендов, подставок - служили шкафы и комоды, "горки" для фарфора, пюпитры для нот, балдахины из тканей, спальные ложа - элементы парадного интерьера.
Страны-участницы шли на все, чтобы перещеголять друг друга, поразить воображение обывателя любыми самыми нелепыми, как сейчас бы сказали, "приколами". В особо большой моде были гипертрофированные экспонаты - уникумы, скульптуры и архитектурные декорации из изделий промышленности и сырья. Воздвигались гигантских размеров свечи, сахарные головы, пивные бутылки, статуи из серебра и соли, шоколада и золота. Демонстрировался монолит антрацита весом 65 пудов, в павильоне Крупна - пушка весом 124 тонны. В Чикаго на выставке 1893 года были выставлены модели ячменя с листьями и хмеля из чистого золота, в земледельческом отделе целый фасад был сделан из кукурузы, кукурузные скульптуры, даже знамена и гербы, мебель из гигантских натуральных тыкв и картофелин.
Экспозиция выставок делалась по фирмам, как и ныне, но с той разницей, что выставки не были специализированными. Один и тот же завод производил разные товары, и на одном стенде оказывались колокола, пушки и всякая бытовая мелочь. Не было тематического разделения. В результате - рядом с кабинетной мебелью - паровой молот и электрический телеграф Сименса.
Как только здание павильона было закончено и уходили архитекторы и строители, на смену им приходили не художники и дизайнеры, а приказчики фирм, которые размещали экспонаты и украшали раздел выставки по своему вкусу без всякой системы. Полностью отсутствовала композиционная идея - концепция выставки. Роль объемных доминант в "экспозитах" разных стран выполняли разнообразные "ворота" - вестибюли в виде уменьшенных копий знаменитых храмов и дворцов данной страны..В. Гоголь, имевший дар исторического предвидения, стал пророком, написав однажды: "Мне прежде приходила очень странная мысль. Я думал, что весьма не помешало бы иметь в городе такую улицу, которая вмещала в себе архитектурную летопись... Эта улица сделалась бы тогда историею развития вкуса, и кто ленив перевертывать толстые тома, стоило бы только пройти по ней, чтобы узнать все". Такая улица, впервые сооруженная в 1851 году на Всемирной выставке в Лондоне, стала затем обязательной на промышленных выставках, преследуя просветительскую идею. Эти улицы, уменьшенных архитектурных копий стали называть АРХИТЕКТУРНЫМ МАСКАРАДОМ.
Но надо заметить, что искусство экспозиции совершенствовалось от выставки к выставке. Постепенно складываются фундаментальные требования к выставочному павильону, к показу изделий. К концу века большое влияние на выставки оказал стиль модерн, своим рационализмом вытесняя безалаберность эклектики. Влияние модерна стало очевидным на парижской выставке 1900 года. Появляется деление не только по странам и фирмам, но и по отделам-отраслям. Создаются модели, макеты для показа производственных процессов. Постоянно совершенствовались и старые методы показа - диорамы и панорамы (первая диорама была устроена в Париже еще в 1822 году Дюгером и Батаном с развлекательной целью). Живописные картины и гравюры с изображением заводов-участников сменялись макетами этих заводов, а то и диорамами. Технический прогресс призвал на службу в выставочные стенды чертежи, таблицы, диаграммы и новейшее изобретение - фотографию. Уже на первой всемирной выставке 1851 года возникла проблема передвижения посетителей по территории выставки. Так появился первый выставочный транспорт (омнибусы). Позднее, на выставке в Чикаго (1893), были впервые применены "подвижные тротуары", передвигавшие на ленте транспортера ежедневно до 10 тысяч посетителей. Появилась проблема утомляемости посетителей. Организация зон отдыха повлекла за собой создание целой индустрии развлечений, что совпадало с желанием устроителей возместить огромные расходы и, как тогда говорили, "не сыграть в плачевный дефицит". Появляются театры, рестораны, а также различные аттракционы, доходные зрелища, так называемые "ГВОЗДИ".
Особой популярностью у публики пользовалась всякая экзотика с ароматом колониальных наполеоновских и английских войн. Создавались "гавайские деревни" и "индийские чайные", стрелковые тиры в стиле африканского сафари, "уголки средневекового Парижа" и т.д.
Дух наживы привлек в индустрию развлечений новинки технической мысли и прогресса: электричество, кинематограф. В Париже "выставка как таковая... отступила на второй план перед зрелищами".
Мысль о создании детского городка развлечений "Диснейленд" в Америке родилась в середине XX века после того, как Диснею, художнику-мультипликатору и бизнесмену, попал в руки альбом "Парижская всемирная выставка 1900 года".
Максим Горький, посетив нижегородскую ярмарку 1896 года, с большим сарказмом писал: "Синематограф Люмьера, раньше чем послужить науке и помочь совершенствованию людей, послужит нижегородской ярмарке и поможет популяризации разврата... Удивляюсь, как это ярмарка недосмотрела и почему это до сей поры Омон-Тулон-Ломач и К° не утилизируют, в виде увеселения и развлечения, рентгеновских лучей? Это недостаток и очень крупный". В индустрии выставочных развлечений широко использовались "оптические дворцы" с лабиринтами зеркал (превратившиеся позднее в комнаты смеха), мареорамы, изображавшие кругосветное путешествие - (движущаяся панорама), мизансцены со статистами в национальных костюмах разных стран, глобусы Галерона (гигантская вращающаяся модель небосвода с волшебным фонарем-стереоскопом). На чикагской выставке огромная толпа глазеет на целлулоидные шарики, чудесным образом держащиеся в воздухе (их поддерживает струя воздуха из пневмотормозов фирмы "Вестингауз"), на фонтан из зерна, приводимый в движение электромотором, мы видим первые примеры динамического показа промышленного изделия. Все эти научно-технические изобретения впоследствии расширили диапазон выразительных средств рекламы. Рекламного, торгового плаката в конце XIX века еще не было, а необходимость рекламной кампании была очевидна. Мы давно привыкли к бесплатной раздаче на выставках всяких рекламных мелочей, а ведь этому рекламному трюку тоже уже более ста лет. Раздавали веера со сведениями о фирме, всякие забавные картонные коробочки, "шутихи", в Париже женщинам бесплатно раздавали цветы (ландыши и фиалки) и все это под грохот оркестров, фейерверков и на фоне карнавалов цветов, шествий ряженых и циркачей.
Требования рекламы, конкуренция делали показы изделий более изобретательными. Вот как решили свои экспозиции две конкурирующие фирмы-производители шоколада на чикагской выставке 1893 года. Производитель шоколада, некий Менье, выставил массив из шоколада весом в 50 тыс. кг (вся дневная продукция фирмы), а его конкурент - Блокерс показал интерьер жилища, в гостиной беседуют дама и девочка в изящных туалетах (восковые манекены), а время от времени входит живая горничная с чашками горячего шоколада, ставит чашки перед манекенами, а заодно и угощает посетителей, которые тут же могут присесть за свободный столик.
Устроители первых выставок рассчитывали на посетителей определенного класса - буржуа среднего и высокого достатка. Каково же было их удивление, когда на выставки, несмотря на высокие цены входных билетов, "повалил" рабочий люд. Шли, как правило, небольшими группами, организованно, со своим, выделявшимся своей решимостью, лидером. Люди в рабочих блузах очень внимательно и сосредоточенно осматривали экспонаты, щупали руками материи, гладили металл промышленных изделий, совещались, оценивали качество работы. Рабочие люди почти не принимали участие в увеселениях (во-первых, не было денег, а во-вторых, не затем приехали, а чтобы посмотреть на плоды своей работы и оценить качество работы чужой).
Впоследствии оказалось, что рабочие предприятий-участников тайком от хозяина выбирали делегатов для поездки на выставку, собирали им деньги на дорогу. Делегаты брали "отпуск за свой счет". Так родился принцип ОБМЕНА ОПЫТОМ И СОЦИОЛОГИЧЕСКИЙ ОПРОС посетителей выставок. Умные предприниматели уже сами стали брать с собой на выставки квалифицированных рабочих за свой счет, а устроители выставок - предусматривать и дешевые развлечения специально для малоимущих.
В начале XX века наравне с всемирными промышленными многоотраслевыми выставками стали устраивать и специализированные выставки. С появлением нового архитектурного стиля модерн и в связи с этим - развитием ремесел, новых строительных технологий, во всех странах стали открываться выставки ремесел, архитектуры, конструкций, строительных материалов в русле достижений нового стиля. Все знаменитые архитекторы и строители этого периода прошли через "горнило" первых промышленных выставок, где могли дать свободу своей фантазии, попробовать новые технологии, смело экспериментировать в проектировании выставочных павильонов. Всемирные промышленные выставки стали своеобразной творческой лабораторией, способствовали дальнейшему прогрессу строительной техники. Многие выставочные сооружения и павильоны принадлежат к лучшим образцам новаторской архитектуры.
Хрустальный дворец Джозефа Пэкстона в Лондоне и Эйфелева башня инженера Александра Гюстава Эйфеля в Париже, построенная для Всемирной выставки 1889 года (высотой 123 метра) стали символами всемирных выставок, символами достижений техники конца XIX - начала XX века.
(Валерий СОФРОНОВ. #"justify">14. Искусство России в ХХ веке
Рубеж XIX -XX вв. ознаменован таким культурным явлением как меценатство (Третьяковская галерея, Щукинское и Морозовское собрания новой западной живописи, частная опера С. И. Мамонтова, Московский художественный театр, учительская семинария (П. Г. Шелапутин) и др.).
Заметными вехами русской выставочной архитектуры стали павильон русского прикладного искусства на Всемирной выставке в Париже 1900 года (художник К.А. Коровин и архитектор И.Е. Бондаренко) и павильон русского отдела на Всемирной выставке в Глазго (1901) архитектора Ф.О. Шехтеля.
В 1910 году на аграрной выставке в Екатеринославе отличился украинский кузнец из села Саксагань Екатеринославской губернии Алексей Иванович Рыбка, получивший сразу две золотых и две серебряных медали. Кузнец Рыбка в своей небольшой кузнице наладил ремонт американских плугов по заказу крупного зернозаводчика, генерала в отставке Эраста Бродского. Отремонтировав ни много, ни мало - 1000 плугов, он разработал свою новую технологию кузнечной сварки и сконструировал свои собственные типы плугов и буккеров-культиваторов, за что и был удостоен высоких наград.
Шли годы. Стремительно развивалась и крепла российская промышленность. К 1913 году Россия вышла на первое место по производству чугуна и стали, имела самый высокий национальный доход в Европе; прогрессировала наука и техника. Намного возросла потребность в регулярном проведении крупных международных выставок. Во всем мире промышленные выставки достигли грандиозных размеров. В архитектуре выставочных комплексов появилась строгость и рациональность. Да и искусство экспозиции не стояло на месте, появилась упорядоченность, разделение по отделам и отраслям, исчезли "пыльные драпировки" и нелепая помпезность. В.В. Стасов, наблюдая, как меняется эстетический облик выставок, называл объекты художественно-промышленной техники произведениями искусства и "знамением времени", а эстетизацию предметно-пространственной среды - "социально воспитательной".
В 1913 году в Киеве открылась грандиозная, последняя перед первой мировой войной. Всероссийская промышленная выставка. Выставка длилась целых полгода (с мая по октябрь).
Были выстроены капитальные, для длительного использования павильоны в строгом классическом (неоклассицизм) стиле по проектам архитекторов Ф.Е. Вишневского, М.О. Шехонина, В.В. Городецкого и еще группы зодчих. Отдельные павильоны сохранялись до 1977 года.
Социально-культурные процессы XX в. (ликвидация неграмотности, "крестовый поход" против религии и церкви, возникновение кино, движение "шестидесятников" и пр.) существенно повлияли на развитие отечественной культуры.
На рубеже XX - XXI вв. в период реформирования в России произошли существенные изменения в политической и экономической сферах, что, несомненно, сказалось на культуре и искусстве. Однако критическую оценку можно будет дать по прошествии некоторого времени.
В ХХ столетии, ставшем временем острых социальных и духовных конфликтов, русское живописное искусство продолжало развиваться в традициях обращения к злободневным общественным проблемам (С. А. Коровин, А. Е. Архипов, М. В. Нестеров, С. В. Иванов, А. П. Рябушкин и др.). Инновационным стало искусство русского авангарда (В. В. Кандинский, К. С. Малевич и др.).
Советский период в истории русской живописи - это утверждение искусства социалистического реализма (Б. М. Кустодиев, К. С. Петров-Водкин, Кукрыниксы и др.). Творчество послевоенного периода отражено в работах Е. Вучетича, В. Мухиной, В. Цигаля и др.
В начале XX в. развивается реалистическое направление (П. П. Трубецкой "Памятник Александру III"; А. С. Голубкина "Портрет М. Ю. Лермонтова"). В первой половине XX в. заметно тяготение к идеализации натуры (В. И. Мухина "Рабочий и колхозница"; Е. В. Вучетич "Памятник генерал-лейтенанту М. Г. Ефремову"). Во второй половине XX в. значительное место занимает архитектурно-скульптурный комплекс, мемориал ("Мамаев курган", "Мемориальный ансамбль на Пискаревском кладбище" и др.).
Начало XX в. ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX в. В советское время была создана школа классического балета. Выдающимися артистами балета признаны имена Михаила Григорьевича, Суламифь Михайловны, Асааф Михайловича, Рахиль Михайловны Мессереров, Майи Михайловны Плисецкой и др.
15. Особенности развития культуры и искусства во второй половине XX века
Во второй половине XX в. наука и технология стали ведущими силами цивилизации. Открытие и мирное использование атомной энергии, освоение космоса, появление новых технологий коренным образом меняют материальные и социальные производительные силы. Впечатляющие успехи достигнуты в физике, химии, биологии, медицине (успешно ведется трансплантация внутренних органов, в разных странах работают над созданием искусственного сердца).
Развитие научно-технической революции привело к невиданному ускорению социально-экономических процессов в мире, особенно в индустриальных государствах.
Все виды и стили искусства XX века оказали влияние на возникновение и стремительное развитие специфического детища этого столетия -- массовой культуры, которую на Западе чаще всего называют популярной культурой (общедоступные и развлекательные). Впервые ее особенности проанализированы в работе известного немецкого философа М. Хоркхаймера "Искусство и массовая культура"(1941). Она ориентирует распространяемые при помощи средств массовой информации культуры -- радио, журналов, телевидения, аудиовидеозаписей, Интернета и др.-- духовные и материальные ценности, рассчитанные на "усредненный", не очень высокий в художественном смысле уровень среднего обывателя индустриального и постиндустриального общества. Диапазон ее огромен: она включает в себя популярную музыку, кино- и телефильмы, мюзиклы, эротические и гангстерские фильмы, фильмы ужасов, детективные романы, рекламу и т.п.
Во второй половине XX века возникла разновидность критического реализма - неореализм. Неореалисты поставили целью показ "разгримированной жизни". Неореализм оказал влияние на мировой кинематограф - творчество Акира Куросавы, Анджея Вайды, Алексея Германа. Темой торжества гуманистического начала в "маленьком" человеке проникнуты поздние произведения Э. Хемингуэя, особенно повесть-притча "Старик и море", за которую автор был удостоен Нобелевской премии. Осмыслению судеб творческой интеллигенции в переломные эпохи посвящены лучшие произведения Лиона Фейхтвангера "Лисы в винограднике", "Мудрость чудака", "Гойя".
Определяющей тенденцией развития Западной культуры во второй половине XX столетия становится возрастающее влияние постмодернизма. Хотя сам термин "постмодернизм" появился еще в первой четверти века в работе Р. Панцвица "Кризис европейской культуры", лишь в середине века (1947) ему был придан культурологический смысл в работе выдающегося английского социолога и историка Арнольда Тойнби "Изучение истории". Этим термином ныне обозначается широкое культурное течение , включающее в свою орбиту философию, эстетику, гуманитарные науки и искусство. Оно характеризуется разочарованием в идеалах и ценностях Возрождения и Просвещения с их верой в торжество человеческого разума, безграничность человеческих возможностей и прогресс. Авангардистской ориентированности модернизма на новаторство противопоставляет стремление включить в современную культуру весь мировой художественный и философский опыт посредством его ироничного цитирования, осмысления и интерпретации. В русле постмодернизма развиваются современные тенденции западной философии (Ж. Бодрийяр, Ж Делез, ф. Гваттари, Ж. Лиотар, Ж. Деррида, Ю. Кристева и др.), художественной литературе (Б. Виан, У. Эко, Н. Мейлер и др.), живописи (М. Мерц, М. Палладино, О. Фукс и др.), социологии ( П. Бурдье, Н. луман, Э. Гидденс, теологии ( Г. Кокс, Дж. Миллер, Д. Ахлен, Дж. Линдбек), архитектуры ( Дж. Стирлинг, Ч. Джэнкс), музыки ( А. Шнитке и др.).
Постмодернизм чаще всего трактуется как символ постиндустриального общества и глубинных трансформаций современного социума, как порождение "усталой", энтропийной культуры. Он утверждает своим творчеством принципы плюрализма, алогизма, адогматизма, отсутствия первосимвола, безграничной иронии к предшествующим культурным ценностям. Единственной нормой, которую признают постмодернисты, является отсутствие норм и канонов торжества анормативности, безбрежный эклектизм. Представляя собой альтернативу по отношению к модернизму, постмодернисты (Ж. Бодрийяр) утверждают, что его триумфальное шествие привело к " тотальной конфузии", повсеместной "симуляции", когда искусство не отражает реальность, а искажает ее. Идея прогресса в работах постмодернистов трактуется как один из "мертвых" миров западного мира, иерархия систем уступает место понятию множественности, не основанной ни на каком единстве. Отсюда становится понятным возвеличение понятия "ризома", введенного в употребление Ж. Делезом и Ф. Гваттарой в их работе "Кафка" (1975). Ризома, в их понимании, это принципиально иной способ роста, нежели тот, который осуществляется разветвлением стеблей растения, культуры и т.п. от единого корня. Это -- беспорядочное распространение множественности, "движение желания, не имеющего никакого превалирующего направления, а идущего во все стороны -- вверх, вниз, вперед, назад, влево, вправо, без какой-либо регулярности, дающей возможность предсказать следующее движение. Ризома, с их точки зрения, это и есть метафор современной культуры, с ее отсутствием упорядоченности, стилевого и содержательного единства.
Новые направления в искусстве формировались в значительной степени под влиянием философии экзистенциализма (существования), возникло искусство абсурда. Их идеологами были Ж.П.Сартр и А.Камю. По их мнению, "бытие понять нельзя, а можно только почувствовать". В центре их внимания - личность и ее отношения с миром, обществом, богом, отрицание человеческих ценностей и надежд на изменение мира. "Театр абсурда" Ионеско - отсутствие сюжета, жизненных идеалов, спонтанность и необъяснимость поступков персонажей, бессмысленность диалогов. В сфере художественной жизни дальнейшее развитие получили основные направления модернизма, прежде всего, сюрреализм и абстракционизм.
Одним из сравнительно новых направлений в современном искусстве является поп-арт. Молодые художники предложили изображать окружающие человека повседневные предметы и технические изделия, современную городскую среду - в надежде сделать искусство понятным широкому зрителю, популярным. Но если предметы, изображаемые поп-артистами, действительно популярны (консервные банки, бутылки "Кока- колы и др.), то об их произведениях этого сказать нельзя. Эти картины отпугивали публику и критиков своей пошлостью и безысходностью. Идеи поп-арта способствовали развитию рекламного плаката.
Развитие инженерных знаний сделало возможным использование новейших строительных и отделочных материалов, таких смелых решений, как подвешенные на стальных тросах или бетонных решетках перекрытия или бетонные купола над огромными выставочными и спортивными залами, стадионами и т.п. Примером может служить бетонный купол Олимпийского дворца спорта в Риме.
Во второй половине ХХ в. обновились принципы планирования городов. Новым было более свободное расположение жилых домов, сохранение природного окружения, сосредоточение в микрорайонах всего, что необходимо для повседневной жизни, улицы только для пешеходов, скоростные автомагистрали, размещение промышленных районов вдали от жилья и т.д. Площади и другие открытые пространства демонстрируют свою современность памятниками нынешних художников. Но понимание качества их нередко остается монополией элиты.
Ярким феноменом художественной жизни второй половины XX века стало рок-движение, появившееся в начале 60-х годов в Англии и США и охватившее весь мир. Творцы рока - Элвис Пресли, группы "Битлз", "Роллинг Стоунз". В рок-музыке выразился стихийный протест молодежи против социальной неустроенности, войны и милитаризма, расовой дискриминации. Их сценический и бытовой облик был подчеркнуто демократичен. Рок-музыка стала силой, способной объединить разнородные молодежные движения и группировки. Так, музыка группы "Битлз" отличается изысканностью мелодии и ритма, глубиной, лаконичностью, искренностью песен. Песни "Все, что вам нужно - любовь", "Дайте миру шанс" стали неофициальными международными молодежными гимнами.
Художественная культура в конце 80-начале 90-х годов получила широкий простор для развития, чему способствовала демократизация общественной жизни. С другой стороны, коммерциализация средств массовой коммуникации способствовала экспансии американской массовой культуры, вытесняющей подлинное искусство и национальную культуру. Переоценка многих событий новейшей истории порождает огульное отрицание достижений искусства соцреализма, что наглядно проявилось в уничтожении памятников, символизирующих "социалистический выбор" и его вдохновителей. С памятниками воюют только варвары, рабы и фанатики. Сокрушая памятники, они уничтожали следы былого рабства и унижения, но в душе оставались рабами.