Многообразие выразительных средств в хореографическом произведении
Реферат
Многообразие
выразительных средств в хореографическом произведении
Введение
Актуальность проблемы заключается в
том, что человек, посвятивший свою жизнь танцевальному искусству, должен
владеть средствами выразительности хореографии. Не обладая знаниями основных
средств выразительности, ни один хореограф не сможет создать достойное
произведение.
Цель: выявить многообразие средств
выразительности в хореографическом произведении.
Задачи: изучить материал на тему
«многообразие средств выразительности в хореографическом произведении»
Стремясь к воплощению самых
разнообразных жизненных тем и сюжетов, балетный театр в своем становлении и
развитии выработал особые специфические выразительные средства, по которым
можно отличить народно-характерный танец от историко-бытового, классический от
гротескового, а так же от пантомимического действия. Все разновидности
сценического танца, каждый в своем роде, являются равноценным средством
художественного выражения.
Одна из особенностей танца - его подчиненность
временным и пространственным законам одновременно - результат его
синтаксической природы. Природа обеспечила ему самостоятельность и
неповторимость как вида искусства. Неспособность танца изображать формы самой
жизни, его эмоционально - выразительный характер сформировали особые
сценические средства, определили и отбор материала для образного отображения
действительности. Отсюда искусство танца приобрело обобщенно - условный,
ассоциативный язык, глубоко эмоционально воздействующий на зрителя.
В постановке любого танца важную
роль играют танцевальные элементы, жесты, мимика, позы, рисунок, сюжет, музыка,
костюмы и т.д.
«Искусство пляски древнее всех видов
искусств. Первоисточник пляски - жест, которым человек пользовался для
выражения физических и душевных переживаний. Жесты человека были разнообразны:
жест еды, питья, утверждения, отрицания, гнева, радости, страха и прочее. Затем
человек начал создавать себе образ божества. Оно представлялось ему великим. В
связи с этим возникает новый элемент в плясках - элемент подражания. Быстро
усложнявшиеся, культура и богопонимание скоро потребовали новых форм для
выражения новых определений. Жестов стало больше и появилось желание связать их
между собой. Возникшая после жестов музыка стала соединяться с жестом, а жесты,
уподобляясь музыке, принимали общий ритм.» [3,25]
Хореография до сих пор является
важной частью нашего общества. Благодаря этому искусству мы выражаем себя. Все
наши эмоции и желания способны найти свое проявление именно в танце. В
хореографическом произведении мы подражаем, изображаем, рисуем образы.
«Хореография старается представить
события, показать человека во время его действий, рассказать историю его
потомству. Одним словом, хореография хочет подражать всем тем явлениям,
физическим и моральным, которые могут попадаться нам на глаза.» [1,52]
«Археологи не могут определить
истоки возникновения танца в доисторические времена, им не хватает прямых
свидетельств его существования. Максимум, что они могут сделать - в поисках
происхождения танца оттолкнуться от ритуальных танцев, практиковавшихся
обществами охотников и собирателей, которые сохранились и по сей день. Однако
один израильский археолог берет на себя смелость утверждать, что он пролил свет
на туманную картину существования танца в доисторические времена - если не в
период его возникновения, то, по меньшей мере, на важном переходном этапе в
развитии человеческой культуры. Изучив более 400 образцов рисунков и гравировок
на гончарных изделиях из 140 раскопок на Балканах и Среднем Востоке, профессор
Джозеф Горфинкель из Иерусалимского Еврейского университета обнаружил
свидетельства того, что люди танцевали уже 9000-5000 лет назад. Эти
свидетельства совпадают по времени и месту создания с теми временами и местами,
когда и где охотники и сборщики диких плодов впервые основали деревни и
превратились в скотоводов и земледельцев. Некоторые изображения демонстрируют
только тоненькие фигурки с треугольными головами или вообще с отсутствием
голов, а также простейшие сцены, которые, очевидно, и являются в понимании
израильского ученого танцами. На других же изображениях видны человеческие
фигуры, запечатленные в движении, обычно с согнутыми ногами и руками. Некоторые
сцены изображают людей, выстроившихся в ряд или взявшихся за руки в хороводе,
что наводит на мысли о современных народных танцах или даже кордебалете
Бродвея. Превалирование сцен с изображением танцев в раннем искусстве древнего
Среднего Востока, по мнению профессора Горфинкеля, подчеркивает важность танца
в дописьменных земледельческих обществах.» [7]
1. Основные средства
выразительности в хореографическом произведении
За многовековую историю танцевальное
искусство накопило и отработало определенные приемы, позволяющие посредством
присущей этому искусству выразительности передавать информацию, составляющую
содержание и эмоциональный заряд искусства хореографии.
«На протяжении веков претерпели
изменения и основные выразительные средства - «язык», рисунок, делающие танец
танцем. Потому сегодня можно говорить об исторически сложившейся системе
выразительных средств и норм, составляющих искусство хореографии, определяющих
его специфические черты и право на самостоятельность в потоке искусств.
Серьезное изучение специфики самобытных выразительных средств хореографии
предполагает обращение к её истокам - фольклорной хореографии, так как именно в
искусстве народного танца заложены те качества, характеристики, черты
самобытности, которые получили развитие и многообразие в сценических формах
хореографического искусства.
На сегодня можно сказать, что как бы
разнообразны ни были хореографические культуры, сколь национальных черт они бы
ни несли, все они подчинены ритмико-временным и композиционно -
пространственным изменениям. И только в единстве этих слагаемых они могут
определяться как самостоятельное художественное явление. Эта самобытность
выразительных средств позволила танцевальному искусству по-особому выражать
жизнь. От поколения к поколению углубилась информация о жизни, воспроизводимая
художественно - выразительными средствами, обобщавшими прошлое изображение
процессов труда и эмоциональных состояний. Что приводило к многообразию приемов
и форм художественного обобщения.
Одна из особенностей танца - его
подчиненность временным и пространственным законам одновременно - результат его
синтаксической природы. Природа обеспечила ему самостоятельность и
неповторимость как вида искусства. Неспособность танца изображать формы самой
жизни, его эмоционально - выразительный характер сформировали особые
сценические средства, определили и отбор материала для образного отображения
действительности. Отсюда искусство танца приобрело обобщенно - условный,
ассоциативный язык, глубоко эмоционально воздействующий на зрителя. Балету, как
подлинно театральному искусству подвластен показ малого и большого мира одновременно,
мир обобщенный выражается через мир конкретной жизни определенного человека -
образа. Например: Одетта и Жизель, Мария и Джульетта - это и судьбы конкретных
девушек, и символические образы чистоты, правды, поэзии и жизни, силы и веры в
любовь и любимого. Спартак и Ромео - это и герои литературы, конкретные
личности с широкой палитрой чувств и поступков, и образы огромного, вселенского
звучания.» [4,13-18]
1.1 Жестикуляция, мимика
и пантомима как основа хореографической постановки
хореография
танцевальный композиция выразительность
Одним из древних средств
выразительности хореографического произведения является жест. Жест был
доступной формой общения в самых разных отдаленных эпохах. «Жест (от лат.
gestus - движение тела) - некоторое действие или движение человеческого тела
или его части, имеющее определённое значение или смысл, то есть являющееся
знаком или символом.» [8]
Условно жесты можно разделить на 4
группы:
. Жесты, вызванные непосредственной
реакцией организма на явления действительности;
. Жесты, сложившиеся в условиях
определённого жизненного уклада;
. Жесты изобразительные;
. Условные жесты, которые бытуют в
узком кругу людей, связанных территориально, профессионально и т.п.
«В отличие от пантомимы, состоящей
из определённой последовательности жестов, в танце жест не играет решающей
роли, т.к. танец не имитирует конкретное поведение человека, а отражает его
внутреннюю жизнь, используя минимум жизненных движений.
Для выражения характера танца
используются почти все выразительные средства пантомимы - жесты всех видов,
имитация действия, иногда с бутафорией.
Для имитации действия постановщик
должен найти способы хореографического выражения действительности, подобрать
такой танцевальный ход, танцевальную комбинацию, которая бы ассоциировалась с
этим персонажем.
Бутафория - это средство
конкретизации характера, поступков и явлений.
Таким образом, пантомима, жесты и
имитация действия зачастую выступают в танце в качестве хореографической темы
пластического мотива, они разрабатываются на протяжении танца и выявляют
характер.» [9]
Ещё одним ярким средством
выразительности является мимика.
«Мимика (греч. μιμιχοζ - подражатель) - выразительные движения мышц лица, являющиеся
одной из форм проявления тех или иных чувств человека - радости, грусти,
разочарования, удовлетворения и т.п.
Различают:
. Непроизвольную (рефлекторную)
бытовую мимику;
. Произвольную (сознательную) мимику
как элемент актерского искусства, состоящую передавать душевное состояние
персонажа выразительными движениями мышц лица. Она помогает актёру в создании
сценического образа, в определении психологической характеристики, физического
и душевного состояния персонажа.» [8]
Мимика выражает содержание танца. В
разных культурных и этнических группах мимика может выражать различные
значения, несмотря на то, что многие проявления мимики являются универсальными.
В зависимости от смысла в танце, мы передаем те или иные эмоции. Это может быть
радость или печаль, восторженность или отвращение, ненависть и любовь.
Благодаря мимике мы делаем танец, произведением искусства, дополняя эмоциями.
Элементом хореографического
произведения, объединяющим предыдущие, является пантомима.
«Пантомима (от греч. pantómimes - актёр, играющий с
помощью одних телодвижений, буквально - всё воспроизводящий подражанием), вид
сценического искусства, в котором главным средством создания художественного
образа является пластическая выразительность человеческого тела, жест, мимика.
Истоки искусства Пантомима в Европе - в театре Древней Греции и Рима. В средние
века к Пантомима обращались гистрионы, жонглёры и др., в средние 16-18 вв. она
возродилась в итальянской комедии дель арте. В 19 в. Пантомима как
самостоятельную театральную форму развивали Дж. Гримальди (Великобритания),
Ж.Б.Г. Дебюро (Франция) - создатель знаменитой маски Пьеро. В последней трети
19 в. Пантомима разыгрывались преимущественно на сценах мюзик-холлов. Во
Франции сформировалась так называемая марсельская школа во главе с Л. Руффом. В
Великобритании выступали Д. Лейно, Л. Тич, труппа во главе с Ф. Карно, в которой
начал творческую деятельность Ч. Чаплин. В начале 20 в. Пантомима занимала
значительное место в работе видных режиссёров Германии (М. Рейнхардт и др.). В
1930 - начало 70-х гг. самые известные актёры Пантомима - Ж.Л. Барро, М. Марсо
(Франция), Л. Фиалка (Чехословакия), Х. Томашевский (Польша). В России
Пантомима входила в состав многих народных игр и обрядов, выступлений
скоморохов. В 19 в. Пантомима ставились на подмостках балаганов и в цирках. В
1910-х гг. выразительные средства Пантомима привлекли внимание режиссёра К.А.
Марджанова, Н.Н. Евреинова, А.Я. Таирова, В.Э. Мейерхольда. Особый вид -
Пантомима в сопровождении музыки, пения, ритмического аккомпанемента -
распространён с древнейших времён в Индии, Индонезии и др. странах Азии.
Современная Пантомима включает в
себя искусство мима (один актёр) и представления со всеми признаками
театрального спектакля. В Советском Союзе получили развитие оба вида.» [10]
«Позы актёров в пантомиме являются
ключевым элементом представления. Актёр с помощью поз может передавать
состояние своего героя, взаимодействовать с окружающим героя пространством, в
том числе, с воображаемыми, «невидимыми» партнёрами и предметами. Также в
коротких шуточных сценках, актёры сами могут изображать различные предметы,
хорошо знакомые зрителю (чайник, утюг, радиоприёмник, бутылка шампанского и
т.п.).
Существует ряд игр, в которых
участники поочерёдно отгадывают задуманные предметы, изображая их с помощью поз
и действий.
В современной пантомиме существует
несколько направлений, часто актёры стремятся уйти от классического образа
клоуна-мима, внося изменения в свой артистический образ.» [8]
1.2 Значение позы в
хореографическом произведении
Позы в различных танцах выполняются
в установленном пространственном рисунке и слагаются из самых различных
положений головы, рук, корпуса и ног. Позы в танцевальном произведении зависят
от народности танца, его характера.
«По́за (из фр. pose через немецкий, ранее из лат. pono (супин positum)
«класть, ставить» - положение, принимаемое человеческим телом, положение тела,
головы и конечностей по отношению к друг другу.
Балет часто называют искусством поз.
Особенно это справедливо для классического балета, возникшего в Европе в XV-XVI
веках, как придворно-аристократическое искусство. Балет появился вследствие
театрализации бальных танцев, представлявших собой поочередное выполнение фигур
и смену поз участниками под музыку. С развитием классического балета в нём
появлялось всё больше динамики, экспрессии, собственно танца, в современном его
понимании. Элементы танца видоизменялись, было введено много новых. Но и в наше
время поза (положение) является одним из основных элементов балетного
искусства.
Одна из поз «Аrabesque»
Урок классического танца начинается
с экзерсисов (упражнений, фр. exercice) у станка, а затем на середине зала.
Учащиеся занимают различные позы и выполняют движения, нагружая определённые
группы мышц. Таким образом вырабатывается выворотность и сила мышц ног,
правильная постановка корпуса, рук и головы, устойчивость, координация
движений.
Во время выступления танцовщики
также принимают различные позы, чередующиеся друг с другом или прочими
элементами танца (прыжками, вращениями, поддержками и т.д.).
Под позой в классическом танце
понимают остановку в движении, во время которой тело танцовщика находится в
положении равновесия на одной ноге, называемой опорной. В это время другая нога
(работающая) отведена вперёд, в сторону или назад.
Позы танца подразделяют на:
малые позы - работающая нога
находится на полу,
большие позы - работающая нога
поднята.
К основным позам (положениям)
классического танца относят: а ля згонд (фр. a la seconde), 4 вида арабеск (фр.
arabesque), аттитюд (фр. attitude), круазе (фр. croise), эффасе (фр. efface),
экарте (фр. ecarte), эпольман (фр. epaulement). Путь работающей ноги при
переходе от одной позы к другой называется пассе (фр. passe).» [8]
1.3 Танцевальное
движение как основной материал в хореографии
«Человеческое телодвижение как
четырехсторонний выразительный комплекс, как единство четырех информационных
потоков - телосложенческого, контактного, кинетического, психологического.
Системное моделирование движения.
Сходства и отличия в танцевальном, пантомимном, цирковом и актерском движениях.
История развития танцевальных
движений - история кинетических средств выразительности (амплитуда, прыжок,
вращения, координация, ритмика и т.п.). Подстраивайте под развитую кинетику
контактных, телосложенческих, психологических средств выразительности -
создание тем самым специфических танцевальных форм человеческого телодвижения.
Трехаспектная невербальная
(несловесная) содержательность танцевальных движений: а) собственная
(семантическая), б) контекстуальная (синтаксическая), в) интерпретационная
(прагматическая). Содержательная палитра в движениях бытового и сценического
танца. Содержательная структура танцевального движения (4-х компонентная).
Содержательные свойства элементов в каждом компоненте танцевального движения.
Приемы развития кинетической
содержательности в танцевальном движении («за счет изменения темпо-ритма исполнения»,
«за счет изменения направления движения», «за счет изменения амплитуды
движения», «за счет контрастной смены одного элемента другим» и др.).
Методика структурного анализа
невербальной содержательности танцевального движения.
1.4 Роль танцевального текста
в хореографическом произведении
Танцевальный текст (последовательное
соединение движений, поз, мимики) - многоаспектное выразительное целое, сложное
художественно-образное языковое явление. Как и музыкальный, он обладает схожими
построениями: фразами, предложениями, периодами, частями.
Структуры построений текста
закрепились в практике танцевального искусства как характерные
конкретно-исторические композиции (хоровод, кадриль, пляска; вариация, па де
де, гран па и т.д.).
Психофизическая индивидуальность
исполнителя, его школа, техническая оснащенность во многом определяют,
корректируют создаваемый танцевальный текст, его невербальную содержательность.
Индивидуальность танцовщика может соответствовать содержанию данного
танцевального текста, а может активно конфликтовать с ним.
Основные принципы построения
танцевального текста:
Наборный принцип. Характерен для
«иллюстративных» форм танца, где отбираемая сумма танцевальных движений либо
посильно подражает какому-то конкретному явлению (скажем, трудовому процессу
или явлению природы), либо «воссоздает» собой словесный литературный
художественный образ (тем самым подменяя художественно-образное
хореографическое видение и мышление литературно-художественным мышлением), либо
пытается приблизиться к пантомимному повествованию. Наиболее ярко этот принцип
проявляется в ранних формах танца. Вместе с тем, он характерен для тех
творческих методов, где танец не осознается активной и самостоятельной
выразительной силой, а воспринимается лишь как дополнение, скажем, к
пантомимному действию или к яркой актерской игре.
Принцип полифонического построения.
Здесь, как и в музыке, может задаваться пластико-динамическая тема (несколько
образно-содержательных движений), которая затем повторяется и варьируется
(развивается в разных направлениях, по частям, в новых сочетаниях и
последовательностях) в двух и более «голосах», которые повторяют первый голос с
отставанием (по очереди) на музыкальную четверть, половину и т.п. Иногда все
танцевальные голоса одновременно, и каждый по-своему, начинают варьировать
общую тему.
Мотивно-вариационный принцип. Он
характерен для высокопрофессионального творчества. При этом сначала из
пластического языка реальной жизни, из лексики традиционных танцевальных
движений отбираются, в соответствии с замыслом, образно-характерные мотивы
(контактные положения, телосложенческие и кинетические формулы), а затем
кинетически варьируются, открывая в себе разные аспекты своей содержательности
и создавая тем самым линию содержательного танцевального повествования.
Повествовательность (т.е. сюжетность) при этом может быть более или менее
абстрактна, конкретна, психологизирована. «[2,27]
«Рисунок танца - это расположение и
перемещение танцующих по сценической площадке. Рисунок танца, как и вся
композиция, должен быть подчинен основной идее хореографического произведения,
эмоциональному состоянию героев, которое проявляется в их действиях и
поступках. Рисунок танца тесно связан с хореографическим текстом.
Виды рисунков. Основные фигуры
хороводов
Рисунок танца состоит из
композиционного рисунка и композиционного перехода.
Композиционный переход - это
логическое продвижение исполнителей, в результате которого возникает новый
композиционный рисунок.
Композиционный рисунок - это
устойчивое, стабильное положение исполнителей на сцене. Композиционный переход
не имеет ярко выраженной композиции. Сочетание композиционного рисунка и
перехода должно быть логическим, рисунок должен выливаться органически из
перехода. Рисунок может быть простой одноплановый, двух плановый или
многоплановый. Рисунок танца должен развиваться от простого к сложному, чтобы
кульминационному моменту развития действия соответствовал наиболее насыщенный
рисунок танца. Там же, где танец насыщен танцевальной лексикой, кульминация
номера может быть решена через интересный танцевальный текст (рисунок здесь
может быть не столь сложен).
Рисунок танца зависит прежде всего
от замысла номера, его идеи, музыкального материала, музыкальной формы всего
произведения (его внутреннего характера и образа, ритмической стороны, темпа,
строения музыкальных фраз), национальной принадлежности танца (характерные
черты рисунка, присущие танцам, данного народа, его характеру). Рисунок танца
организует движение танцующих, систематизирует их. Различные построения и
перестроения оказывают на зрителя определённое психологическое воздействие, и
задача балетмейстера - добиваться, чтобы рисунок танца наиболее полно выражал
ту мысль, то настроение и тот характер, которые заложены в номере. Например,
плавное развитие рисунка, неторопливое движение соответствующее музыке,
невидимые движения ног танцующих, как бы плывущих по сцене, рождают перед
зрителем образ лебедушки. Рисунок танца в данном случае играет ведущую роль, но
для создания образа имеют значение и танцевальный текст, и костюм - словом, все
выразительные средства». [11]
2. Дополнительные
средства выразительности и важность их использования в танце
.1 Музыка как важный
элемент хореографического произведения
«Музыка как невербальная основа
танцевального произведения, определяющая его содержание, образы, драматургию.
Проникновение в суть музыкального произведения. Балетмейстерский анализ
мелодического и ритмического построения музыкальной фразы, ее динамических
оттенков. Слияние музыкальной и танцевальной фразы.
Четырехсторонняя выразительность
музыкального звука (высота, длительность, тембр, громкость), определяющая
образность музыкального произведения как в целом, так и отдельных его частей.
Танец пытается ориентировать форму и
содержательность музыкального звука на свою образность телодвижений, на
свойственные обоим искусствам темпы, ритмические рисунки, интонации и т.п. Если
выразительность музыкального звука в танце представлять в виде системной
организации, то системообразующим свойством здесь должна будет выступать
кинетика исполняемых под данную музыку танцевальных движений (неважно, будь то
движения свободно-пластические, бытовые, народные, классические, джазовые и
пр.). Данное суждение важно для последующего понимания совершенного синтеза
всех компонентов-искусств в танцевальном произведении.
Традиционная танцевальная музыка
своим метроритмом (вальсы, польки, мазурки и пр.) соответствует основным шагам
бытовых танцев. Что же касается мелодической, инструментальной, структурной
выразительности, то она в бытовом танце, как правило, не отражается. И это уже
составляет проблему.
Профессиональное искусство танца,
особенно в последнем столетии, стремится очень тонко и емко «вычитывать»
музыкальную ткань, ее содержательную образность. Поэтому мастера последнего
столетия довольно часто берут для своих хореографических постановок музыку
самостоятельную, не предназначенную для танца в замысле композитора. Они
считают, что своей образностью она вполне отвечает выразительным возможностям
современного танцевального искусства.
Аспекты музыкальной образности
(метроритмические, мелодические, инструментальные и пр.) являются неким
невербальным либретто для современного хореографа. Не случайно степень
связности музыкального текста с текстом танцевальных движений, например, Ф.В.
Лопухов предлагал подразделять как «танец около музыки», «танец под музыку»,
«танец в музыку», а Дж. Баланчин отстаивал еще тезис - «танец с эффектом зримой
музыки». В последнем случае танцевальный и музыкальный тексты максимально
сливаются
своими образными формами. Дж.
Баланчин это отлично показал в своей «Симфонии до мажор» на музыку Ж. Бизе.
Современные мастера танца полно
слышат и отражают звуковую образность в сценическом действии, варьируя, по
своему усмотрению, степень связности музыкального и танцевального текста. В
сферу танцевального творчества привлекается музыка разных направлений и стилей.
Поэтому балетмейстер, естественно, должен быть знаком с особенностями звучания,
текстосложения того или другого конкретного направления, стиля, уметь отражать
эти особенности в своих сценических композициях.
2.2 Художественный образ
танцовщика в хореографической постановке
Художественный образ в танце -
духовно определенное явление, выраженное в одном или многих телодвижениях
танцевального текста. Более того, он складывается из множества связывающихся
свойств и особенностей. В его структуру входят художественно-образные элементы
всех компонентов (слагаемых) танцевального произведения. Он - синтез слышимого
и видимого, квинтэссенция танцевального творчества.
В качестве танцевального образа
могут выступать:
♦ отдельные
пластико-динамические мотивы (например, «стремление к свободе» в движениях рук
Спартака в «Спартаке», игривые «кисти-колокольчики» рук Ширин в «Легенде о любви»
- хореография Ю.Н. Григоровича.);
♦ танцевальные персонажи
(герои) - Жизель, Одетта, принц Зигфрид и т.д.;
♦ части танцевальных текстов
(к примеру, образ патрицианского Рима в балете «Спартак»);
♦ самостоятельные танцевальные
номера, создающие, например, образ веселья и радости (курская пляска «Тимоня»)
или образ нежной красивой природы (хоровод «Березка» в постановке Н.
Надеждиной) и др.
Персонаж (герой) в танце
относительно конкретен. Это характер человека, проявляющийся во
взаимоотношениях с окружающими, в действиях и поступках, которые предопределены
музыкально-танцевальной драматургией.
2.3 Развитие сюжета как
важная особенность в танце
Танцевальный сюжет ничего общего с
литературным сюжетом не имеет. Сюжет в танце - это внутреннее смысловое развитие,
сцепление образов, роль которых могут играть, как уже говорилось выше, и
отдельные танцевальные движения (пластико-динамические мотивы), и части
танцевальных текстов, в которых создаются эмоциональные настроения (состояния),
и персонажи, которые действуют эпизодически или на протяжении всей танцевальной
композиции. То есть разноплановое современное хореографическое сознание
позволяет говорить о том, что сюжет в танце - явление многослойное…
Сюжетное действие в произведениях
танца строится либо как бесконфликтное, где воссоздается образ лирического
переживания или пейзажной зарисовки, соотнесения и повторения (скажем, в сюите)
вереницы настроений, характеров, отношений (балет «Шопениа-на» в постановке М.
Фокина), либо как конфликтное, где в основе лежит коллизия (противоречие,
столкновение). В последнем случае мы наблюдаем разные характеры, устремления,
жизненные позиции, которые сталкиваются и отстаивают свои интересы. Действие
здесь развивается по законам драматургии, проходя этапы: экспозицию, завязку, несколько
ступеней развития, кульминацию и развязку. Так строятся события в балетных
спектаклях («Лебединое озеро», «Ромео и Джульетта» и др.), отдельных номерах
(«Чумацкие радости». «По-доляночка» в постановке П. Вирского, «Беспризорники» в
постановке В. Варковицкого и др.).
Сюжетность в танце - построение
многоуровневое, просматривающееся в логике текста танцевальных движений, в
характере межперсонажных отношений, в последовательности действий, событий,
явлений.
Многоуровневая сюжетная конструкция
является на самом деле многоуровневой (многолинейной) содержательностью
танцевального произведения. Такой содержательной насыщенности нет (и не может
быть!) при формальном соединении «школьных» движений в цепочку, в «актерском»
или «пантомимном» интерпретировании выразительной палитры танцевальных
движений.
Логика построения и развития
невербальных сюжетных образов танцевального текста должна совпадать с сюжетной
образностью музыкального произведения, дополняться образностью костюмов и
соотноситься со сценической средой, что в целом и определяет видовое
своеобразие танцевальной сюжетности. «[2,44]
2.4 Значение
танцевального костюма в хореографической постановке
хореография
танцевальный композиция выразительность
Историческая эволюция конструкции
танцевального костюма - от бытовых форм к высокопрофессиональным - высвечивает
довольно ясную тенденцию - стремление к максимальному выявлению (обнажению)
кинетики самого телосложения танцовщика, что приводит к использованию трико,
купальника, комбинезона, майки.
Эта тенденция подкрепляется тягой
профессионального танца к абстрактности, к раскрытию выразительности именно в
сложной и тонкой кинетике движений, а не в потоке контактных или актерских
построений.
Выразительную структуру
танцевального костюма определяют:
♦ конструкция формы (объемы,
линии, фасоны);
♦ фактура материала (легкая,
тяжелая, жесткая, мягкая, прозрачная, плотная, гладкая, ворсистая и т.д.);
♦ цвет, тон материала
(ахроматический, хроматический, теплый, холодный, светлый, темный, яркий,
бледный и т.п.);
♦ освещение, способность
выглядеть на свету (освещение дневное, искусственное, полное, частичное,
цветное и т.д.).
Проект танцевального костюма должен
отвечать характеру лексики танца, ее образному строю и действию, а также
характеру музыкальной звучности (спокойному, резкому, страстному и пр.).
Влияние костюма на танцевальную образность.
2.5 Важность грамотного
оформления сцены для восприятия зрителем хореографической постановки
Сцена - среда для танцевального
действия, среда гармоничная с характером танцевальной и музыкальной образности
(более или менее абстрактной или конкретной), среда, вносящая свои
самостоятельные и новые черты в танцевальное повествование.
Образными сторонами сценического
оформления являются:
♦ конструкция сцены (малая,
большая, широкая, глубокая, высокая) и конструкция самого оформления (характер
линий, объемов и пр.);
♦ фактура используемых
материалов;
♦ цвет материалов, живописных
красок;
♦ характер освещения
(освещение мягкое, резкое, спокойное, возбуждающее, светлое, темное и т.д.).
Предметная среда» для данного
танцевального действия может быть конкретно-обытовленной либо
абстрактно-стилизованной. Иногда предметы в состоянии выступать в качестве
символа-сути (например, лес как символ естественной свободы человека, канатную
клетку как образ крепостнической идеологии встречаем в балете «Черные птицы» -
муз. Г. Катцера, балетмейстер Т. Шиллинг, художник Э. Клайберг).
Образно-стилизованные формы, к которым часто прибегали художники группы «Мир
искусства» (А. Бенуа, Л. Бакст и др.), намеренно «удлиняют», «искривляют»,
«геометризируют» сцениче - скую предметность.
Сценическая среда, обладая своей
образностью, всегда либо органично сочетается с данным танцевальным действием,
либо нейтральна к нему, либо активно диссонирует с ним. Вместе с тем,
выразительная палитра сценического оформления довольно динамична и в состоянии
активно следовать за развитием танцевального действия. Особенно это касается
освещения сцены.
И последнее замечание. Тяготеющие к
абстрагированной образности музыка и текст танцевальных движений вольно или
невольно заставляют выстраивать соответствующим образом всю структуру
выразительных средств танцевального произведения, в том числе костюма и
сценического оформления». [2,85]
Заключение
Хореография - определенная целостная
сущность, имеющая свои конкретные формы проявления и закономерности бытования.
Среди них имеется то общее, что объединяет её с другими видами искусств.
Образность танца рождается соотносимостью выразительных средств данного танца и
внутреннего содержания той мысли, которую он призван передать.
Использование выразительных средств
танца должно быть умелым. Необходимо правильно уметь подбирать те или иные
средства танца для определенного произведения. Определенные средства
выразительности должны быть уместны в произведении. Неправильное использование
выразительных средств жанра показывает слабость балетмейстера, а не
хореографии.
Именно поэтому хореографу необходимо
знать все тонкости использования каких-либо средств выразительности, иначе его
постановки не будут иметь успех и продемонстрируют только его
непрофессионализм.
Список литературы
1. Блазис К. «Танцы вообще» издательство «Планета музыки» - М.
2008,324 стр.
. Богданов, Кириллов «Композиция и постановка танца» - М. 2007,
216 стр.
. Вашкевич Н.Н. «История хореографии всех времен и народов»
издательство «Планета музыки» - М.2009, 287 стр.
. Заикин Н. «Мастерство хореографа» издательство «Орловский
Государственный институт искусств и культуры» - Орел 2007,248 стр.
. Тарасов Н. «Классический танец» издательство «Лань» - М. 2008,
511 стр.
. Лопухов А.В. «Основы характерного танца» издательство «Лань» -
М.2008, 344 стр.
.www.iskorka.ru
.www.wikipedia.org
.www.twirpx.com
.www.bse.sci-lib.com/article
11.www.cossackstan.ru