Творчество Энди Уорхола

Творчество Энди Уорхола

Введение

ПОП-АРТ (англ pop art, от popular art общедоступное искусство) - направление, сложившееся сначала в модернистском изобразительном искусстве, а затем в различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в 50-х годах XX в. в США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над абстракционизмом.

Поп-арт

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор - отрывистый удар, хлопок) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления. Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926-1990). В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже - Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург и Энди Уорхол, о котором и будет идти речь в данной работе.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ.)русск. из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Куниц (англ.) русск. также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Представители поп-арта: Том Вессельман, Ричард Гамильтон, Ред Грумз, Аллан Д’Арканджело, Джим Дайн, Джаспер Джонс, Ален Джоунс, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Питер Блейк, Мел Рамос, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист, Эд Руша, Джордж Сегал, Уэйн Тибо, Энди Уорхол, Питер Филлипс, Кейт Харинг, Дэвид Хокни, Марисоль Эскобар.

Зарождение

После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Множество создателей поп исскуства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов (общество "Dada"), когда форма не моделирована из материала, но составленна из искуственных обьектов. Так ассамбляж стал трамплином для многогранного мышления, которое становятся всё важнее для художника - для искусства окружающей среды и хепеннинга. Он так же ведёт и к новым формам реализации творчества: объединение пространственных обьектов, в которое может воити и сам зритель - в инсталяции. Поп исскуство так же имело влияние и для искусства среды без хеппенинга. Художники вступали в эксперименты с реальными объектами. Уже абстрактный экспрессионизм противоречил идее произведения искусства, как законченного объекта. Хотя его представители не стремились превратить живопись в публичную акцию и сам живописец был зрителем своих действий, публике было предложено в мыслях воссоздать то, как работа получала форму. Другой шаг - переход к действию который был бы не только частью творческого процесса, но и частью самого творчества. Это воплощено в хеппенинге- переходит к пустому действию, которое становится частью художественного действия. Первооткрывателем этого считался Ив Клейн. Именно он взялся за нетрадиционные образы искусства. Действуя под влиянием стихий созданные работы он назвал "космогонией". В 1960 в галерее искусства в Париже, для музыкантов, играющих различные произведения, он создал картины "живой кисточкой"- покрашенными в голубой цвет обнажёнными моделями. Они прижимаются к полотнам всем телом оставляя отпечаток. Эти действия поражали зрителей. Им было показанно прямое действие, вернее множество происходящих дейсвий без комментария, логики. И действующий человек, и предмет, и сам зритель- это художественная совокупность одинаковых действий. Такие акции не были пригодны для галерей, музеев, они воплощали художественные и интеллектуальные настроения того времени. Классики хеппенинского поп исскуства также как Диво "Аварии" или Ольденбурга "Магазинные дни", происходили в создании среды самих художников. Художественной среды ощущения хепининг выплёскивает в ситуацию, в которой значатся звуки, жесты, ощущения и даже запахи. Зрителю не предоставлялась никакой схемы сюжета и понять ощущения было заботай его самого. В Европе авторами хеппенинга были В. Фостел с Й. Бойк. Англичане Гелберт и Георг прославились своим произведением "Поющая скульптура"- оба участника с позолоченными лицими стояли на возвышении и имитировали песню. Их задачей было выразить идею стиля и стилизации. Они представили себя как живую скульптуру, таким образом в подтексте было ясно: всё, что они делали, должно было быть принято как искусство. Новую волну течений возглавил поп-арт (популярное искусство, точнее «ширпотреб-искусство»), который зародился в США. Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенберг, Джеспер Джонс. Эндри Уорхол распространили это направление во многих странах мира. С поп-артом в музейные и выставочные залы хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой культуры» низшего разбора,- рекламные плакаты и этикетки, муляжи и манекены, увеличенные репродукции и комиксы, а кроме того наборы любыз предметов, попавшихся под руку, - одеяла и консервные банки, разбитые часы и раскрашенные чучела.

Расцвет

С конца 1950-х годов во многих странах началось бурное развитие так называемого поп-арта (популярного искусства). Его образный язык был непривычен, парадоксален. В нем будто таилась насмешка над всем, что люди привыкли называть красотой, духовностью, художественным творчеством.

Поп-искусство создавалось вне норм, образцов и традиций, любым способом и из любых материалов. Художник мог заимствовать мотивы и образы из рекламы, модного журнала, комиксов - банальные и безвкусные. Не думая, он «дополнял» живописное полотно разными предметами, приставленными, приклеенными или привешенными к нему (очки, деньги, окурки, костюм на вешалке, лестница-стремянка).

До сих пор продолжается спор, кому - англичанам или американцам - принадлежит первенство в изобретении поп-арта, хотя именно в США он приобрел наибольшее значение.

Расцвет поп-арта пришелся на бурные 1960-е годы, когда в странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи, исполненной решимости взорвать устоявшиеся порядки общества. Молодежное движение не имело ни теории, ни цели - его объединял пафос отрицания. Не успев накопить опыта и знаний, не обремененные чувством ответственности, молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Анархический бунт без ясной цели, отрицание всего без четкой идейной программы - все это нашло отражение в новом искусстве.

Отличительная черта поп-арта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации гвозди и мадонну Рафаэля, пудру и фугу Баха. Точно так же поступает и поп-художник.

Поп-арт в современном мире

Стиль поп-арт относится к ретро искусству XX века. Это движение зародилось в Англии в конце 50-х годов, а в последствие продолжило развитие в США в начале 60-х. Поп-арт открыл множество талантливых художников и творителей современного искусства. С ним неразрывно связан американский поп-художник Энди Уорхол. Его работы, в настоящее время, используются в дизайне интерьера и одежды. Это смелая, выделяющаяся яркая графика. Она часто выражается в сочетании четырех, шести, двадцати и т.д. объектов в одной картине. Я думаю все помнят знаменитую работу Уорхола, на которой изображена несравненная Мерилин Монро. Также к этому искусству относятся комиксы, это британский стиль. Изображения поп-арт художников очень популярны и часто используются в рекламе, клипах, например Рианны “Rude Boy”, и конечно же в модной индустрии. Следование выбранному стилю предъявляет определенные требования к жилому пространству. Поп-артовский интерьер категорично требует освободить помещение от лишней мебели. Допускается лишь необходимый минимум - пластиковые полки, простая округлая мебель без вычурных изгибов. Да и те должны быть обращены в «религию» поп-арта: поверхность мебели украшена яркими наклейками, граффити, вырезками из комиксов, портретами мультяшных персонажей.

Поп-арт приветствует смелые эксперименты с цветами: не сочетающиеся друг с другом оттенки, «кислотно-ядовитые» и резко контрастные цвета, экстремально яркие расцветки спокойно соседствуют с белыми или бледными пастельными тонами. Главное - соблюсти меру, чтобы весь этот цветной хаос не начал действовать на нервы.

Ещё одна яркая примета стиля поп-арт - использование множества одинаковых изображений. Рисунок повторяется на мебели, текстильных элементах, обоях, шторах, напольной плитке. Изображения буквально перепрыгивают одно в другое, меняют размеры и окраску. Они могут вливаться в общую цветовую гамму, а могут резко контрастировать с ней. Дополняют эпатажный стиль шторы и огромное количество мелких аксессуаров, отражающих модные веяния: постеры, статуэтки, часы, посуда. Завершающий штрих, примета эпохи и настоящий «контрольный выстрел» в здравомыслие - шкурка «игрушечного тигра» в роли напольного ковра.

Это искусство перевелось с холста на ткань. Появляется множество футболок, мини-платьев с рисунками в стиле поп- арт. К подобным принтам относятся большие аппликации в виде сердец, бабочек, губ, различных ягод и фруктов. Очень важно, чтобы цвета были яркими и насыщенными, тогда рисунок будет бросаться в глаза, и Вы не останетесь незамеченной. Популярны на майках фотографии в нескольких цветных вариациях, рекламы, комиксы, психоделические и экзотические принты.

Таким образом к одежде в стиле поп- арт 60-х относятся мини-юбки, мини-платья, заканчивающиеся на 6-7 см выше колена, разноцветные колготки, колготки с узорами, в том числе и геометрическими. Также прямой свитер-платье из шерсти с широким поясов в стиле 60-х. Из аксессуаров актуальны пластиковые серьги, браслеты, бусы, украшения для волос броских цветов, ободки, заколки, повязки. Очень стильно смотрятся маленькие яркие перчатки с небольшим вырезом на тыльной стороне ладони. Иконами стиля из 60-х годов являются знаменитая модель Твигги и, муза Энди Уорхола, несравненная Эди Седжвик. Эти девушки воплащают образ, о котором мы говорим. Макияж в стиле поп-арт тоже должен быть ярким.

Эндри Уорхол

Эндри Уорхол (англ. Andy Warhol; настоящее имя Андрей Вархола, словацк. Andrej Varchola, англ. Andrew Warhola; 6 августа 1928 - 22 февраля 1987) - американский художник украинского (лемковского) происхождения, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Родоначальник идеологии «homo universale», а также автор работ, которые стали синонимом понятия коммерческий поп-арт.

В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.

Сведения о том, когда родился Эндрью Вархола (впоследствии Энди Уорхол), противоречивы. Разные источники называют разные годы - 1927, 1928 и даже 1930, а также разные даты - 6 августа и 28 сентября. Сам художник отмечал день своего рождения 6 августа.

Уорхол родился в США, в городе Питтсбурге, штат Пенсильвания. Родители, Юлия и Ондрей Вархола, происходили из деревни Микова на северо-востоке бывшей Чехословакии. Они эмигрировали в Америку до рождения Эндри и двух его старших братьев. Семья рано потеряла отца.

Рис.1

Детство

Энди Уорхол родился в семье словацких эмигрантов Онджея и Юлии Заваки Вархола в Питсбурге, в Пенсильвании. Он всю свою жизнь умышленно запутывал журналистов, называя разные даты и места своего рождения. Возможно, объясняется это тем, что темперамент художника не позволял ему признать тот факт, что он был сыном простых иммигрантов из Закарпатья, он избрал местом своего рождения Голливуд, поскольку истинные обстоятельства его рождения и происхождения не вписывались в ту созданную им легенду, в которую он хотел верить. Из троих детей в семье он был самым младшим, в большинстве источников сказано, что он родился 6 августа 1928 года. Его детство пришлось на годы Великой депрессии, повлекшей за собой безработицу, нищету и голод. Он был стеснительным, некрасивым ребенком, с очень светлыми волосами и кожей. Уорхол страдал от болезни, которая называлась «Пляска святого Витта»- это заболевание нервной системы, когда мышцы начинают судорожно и непроизвольно сокращаться. После приступа болезни Энди был вынужден два месяца проводить в постели. Тогда он подолгу разглядывал глянцевые журналы, комиксы и вырезал фотографии знаменитостей. Позже, в своем творчестве, он черпал вдохновение в лицах знаменитостей (рисовал кумира молодости Элвиса Пресли, восхищавшую его Мэрилин Монро. Спустя годы Мик Джаггер говорил: «Если хочешь узнать, что было самым популярным в тот или иной период, посмотри, что в это время рисовал Уорхол»). В старых номерах цветных журналов, в дешевых комиксах перед ним открывался другой мир - там жили короли и голливудские звезды. Бэтмен защищал поруганную добродетель, Микки Маус водил за нос сильных и глупых преследователей, а очаровательные блондинки призывно улыбались неказистым, но честным парням. Энди рылся в помойках, выпрашивал у киоскеров старые номера, вырезал, склеивал, перерисовывал. Бэтмен опускал мощное крыло на плечо помахивающего теннисной ракеткой принца Уэльского, Грета Гарбо шла под венец с Микки Маусом, убитый в перестрелке гангстер обрастал шубой, колпаком и бородой Санта Клауса, а из мешка с подарками выглядывал радостно улыбающийся президент США. Каждый вечер Энди священнодействовал над своим рабочим столом, смешивал краски, разводил клей, орудовал ножницами. Грамотно писать Энди Уорхол так и не научился - зато его рисункам удивлялась вся улица.

Любовь к рисованию передалась ему от матери, она рисовала сама и научила этому младшего сына. Школу Энди закончил с пятьдесят одним баллом из двухсот семидесяти восьми (у него были трудности с чтением и письмом). Он решил поступать на художественный факультет Технологического института Карнеги(Carnegie Mellon University), возможно потому, что одним из преподавателей в институте был Джозеф Фицпатрик, который вел занятия по изобразительному искусству в школе, где учился Уорхол. Все-таки это был знакомый человек для застенчивого, малообщительного юноши, и это было лучше, чем ничего. Сочувствующие профессора боролись за то, чтобы талантливого студента не выгнали из университета: вместо классических моделей он рисовал ковыряющих в носу детишек или нищих. Некоторым преподавателям казалось, что его художества - просто попытка шокировать окружающих, но для Уорхола такой выбор тем был естественным: пока однокурсники развлекались на модных вечеринках, Энди торговал леденцами на рынке и, улучив минутку, делал наброски. Если занятия графикой, живописью для большинства студентов были лишь способом получить престижное образование, то для Уорхола же - единственной возможностью вырваться: за спиной маячила серая жизнь бедных кварталов. Его рисунки резко выделялись среди других работ - в них были напор, энергия, они дышали жизнью.

В 1949 году он получил степень бакалавра и перебрался в Нью-Йорк.

Творческая карьера

В 1949 г. Эндрью Вархола закончил Технологический институт Карнеги (графический дизайн) с присуждением степени бакалавра искусств. В этом же году отправился в Нью-Йорк, где первые годы занимался графическим оформлением коммерческой рекламы - в основном он выполнял рисунки женской обуви для журналов мод и рекламного приложения "Нью-Йорк Тайме".

Работа в коммерческой рекламе принесла Вархоле известность и изменила его имя. Однажды подпись под его рисунком была набрана неправильно - Апоу Иагпо!. Он решил оставить это написание имени и стал Энди Уорхолом.

Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании.

Другая работа, признанная впоследствии рекламой года, изображала юношу, вкалывающего себе шприц в предплечье. Несмотря на скандальность сюжета, заказчики - владельцы радиостанции - остались довольны: повысился рейтинг их передач о проблемах молодежи.

Кстати, первый урок саморекламы дал ему не кто-нибудь, а Сальвадор Дали. Мэтр получил заказ на оформление витрины салона красоты в Нью-Йорке. В качестве элемента декора он решил выставить в окне второго этажа большую железную ванну, которую рабочие благополучно уронили вниз. Ванна чуть не прибила случайного зеваку, Дали попал за решетку (правда, ненадолго), а результатом разразившегося скандала стало то, что выставка Дали, проходившая в это время в Нью-Йорке, отлично продалась.

Очень скоро Энди стал самым высокооплачиваемым рекламщиком Нью-Йорка, выполняя заказы для всех модных журналов, Vogue и Harper's Bazaar.

В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».

Вклад в развитие стиля поп-арт

К 1968 году Уорхол был уже признанным мастером поп-арта. Его выставки с успехом проходили по всему миру, в Америке не было художника популярнее - за одну из его картин на аукционе заплатили $ 60 тысяч. Это был рекорд: никто из его современников столько не получал. Однако не меньше, чем картинами или фильмами, Уорхол прославился своими скандальными интервью, которые он раздавал направо и налево. "Я не хотел рождаться. Это было ошибкой. Все равно как меня выкрали и продали в рабство, - объяснял он в интервью журналу "Time". - Меня никогда не трогали собственные работы. Я делаю дешевую писанину и нравлюсь обычным людям. Весной Энди отправился в Лос-Анджелес на открытие своей большой ретроспективы. Успех был грандиозным: переполненные залы, толпы студентов, скандирующих: "Мы любим Энди Уорхола!", фотографии в газетах. В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».

Все искусство Уорхола превратилось в систематизированный бизнес-процесс, производящий добавленную стоимость... Его поп-арт - это своеобразное «искусство вне искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искусственное искусство.

Однако скандальную известность Уорхолу принесла серия карандашных рисунков, изображающих долларовые банкноты, (Рис.3,4)

Рис. 3 Рис. 4

Рис. 5

и раскрашенных банок из-под супа Сampbell.(Рис. 5) Выставка этих работ в нью-йоркской галерее Стабл, состоявшаяся в 1962 году, стала настоящей сенсацией. Уорхол наносил краску на консервные банки мазками кисти. Однако уже к 1963 году он стал использовать шелкографию, и с этих пор большинство его работ выполнялось именно в этой манере. Совершенно безликие, приспособленные к массовому производству, шелкографские оттиски идеально подходили для данных целей. Искусствовед Роберт Хьюз писал: "Разрисовывать консервную банку само по себе не значит заниматься настоящим искусством. Но подлинным в Уорхоле остается то, что уровень производства супа в консервной банке он поднял до уровня создания картин, придав ему характер массового производства, - потребительское искусство имитирует процесс, а также облик потребительской культуры".

Техника шелкографии стала определяющий в творчестве Уорхола. Монотонное повторение истирает псевдо-образы, предлагаемые окружающим миром в качестве исключительных: бесконечные ряды бутылок кока-колы ( Рис.6) сменяются портретами Мерилин Монро, (Рис. 7) Лиз Тейлор, Элвиса Пресли.

Рис. 6

Рис. 7

Одним из основных занятий Уорхола была, по его собственному выражению, "регистрация и каталогизация жизни вокруг". Он собирал ощущения, результатом чего стали изданный посмертно «Дневник» и «Философия Энди Уорхола (от Э к Ъ и обратно)». Из второй книги ясно, что Уорхол на самом деле шел не "впереди планеты всей", а стоял "сбоку": отставшим, опоздавшим, сошедшим с "поезда современности". Он не создавал "второй реальности". Он панически расчищал пространство вокруг первой, а потом резервировал ее и укрупнял. Отсюда - бесконечный жанр портрета в эпоху перепроизводства, когда единицу можно заметить в толпе только в том случае, если она увеличена в десять раз. В книге Уорхола есть несколько высказываний, определяющих понимание творчества художника: «Бизнес-искусство - следующий шаг после Искусства. Я начинал как коммерческий художник, иллюстратор, а закончить я хочу как художник-бизнесмен. После того, как я сделал то, что называется "искусством" или как там это еще называется, я занялся бизнес-искусством. Я хотел быть Художественным Бизнесменом или Бизнес Художником».

И наконец, в «Философии» Уорхол рассказывает о самом творческом процессе создания работ: «Я смотрю на холст и думаю: "Ну, вот здесь, в этом углу эта краска выглядит вроде как на своем месте". Потом я смотрю снова и говорю: "Вот здесь, в этом углу, нужно немного синего, и я кладу там синюю краску. А затем беру зеленую краску и добавляю зеленый цвет, отхожу назад и смотрю, все ли правильно. И если неправильно - я беру краски, делаю еще несколько мазков зеленым в нужном месте, и, наконец, если нет сомнений, я оставляю все как есть».

Ярким примером творчества Уорхола является работа «Flash» (1963-1968). Это серия из 11 отпечатков, представленных как повествование и сопровожденных текстом, взятым из новостных заметок в день убийства президента Кеннеди. Это не было иллюстрацией события. Уорхол представил серию изображений, связь между которыми не так важна, как их способность передавать драматический пафос события. Кроме того, способность Уорхола выбирать фотоснимки усиливает значение освещения событий средствами массовой информации, формируя общественное мнение. Уорхол использовал несколько разных изображений Кеннеди. К тому же он использовал очень известные портреты - стилистический прием, редко встречающийся в его работах. Отпечатки в «Flash» показывают способность автора манипулировать найденными изображениями, изменяя их масштаб и четкость, используя цвет для создания мощного экспрессивного эффекта диссонирующих контрастов.

«Flash» - это наименее известная группа работ, отмеченная серьезной увлеченностью автора созданием портретов и находящаяся в числе его лучших работ. Другие - «Marilyn Monroe» (1967), «Campbell's soup» I, II (1968-1969), «Flowers» (1970), «Electric Chaine» (1971), «Mao» (1972) - каждая из которых содержит 10 отпечатков, основаны на ключевых изображениях, созданных Уорхолом в начале карьеры. В противоположность своим первым работам, построенном на повествовании, эти статичные изображения избавлены от какого-либо повествовательного контекста. Каждое из них передает сильный образ, расширенный повторением. Эти работы - пересказ предыдущих обращений Уорхола к его главным темам 1960-х годов: портретные изображения, потребление, украшение, смерть. Эти темы часто повторялись в его работах и стали центральными в его творчестве.

Итак, именно благодаря творчеству Уорхола в плакате и рекламе стали использоваться особым образом обработанные фотоиллюстрации, яркие психоделические цвета и многократно повторенные изображения. Техническое тиражирование во многом породило ироническое отношение к самому объекту рекламы, этого нельзя не признать. И здесь Уорхол добился своей цели: он бросил вызов обществу массового потребления, которое как раз поддерживало Уорхола. И, наконец, Уорхол избавил общество от лицемерия. Он стал первым человеком, который публично признал, что деньги являются ничуть не менее важной составляющей профессии, чем творчество.

В 1963 г. Уорхол открыл в центр Манхэттена студию, которую назвал "Фабрика". Студия была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих и была налажена работа по "массовому производству" портретов знаменитостей. Работы Энди Уорхола стали настоящим символом коммерческого поп-арта и американской художественной культуры XX столетия.

Исследователи особо отмечают значительный вклад Энди Уорхола в кинематограф, журналистику и фотографию. Всю свою жизнь Энди посвятил художественной фотографии, ее обработке и "массовому" распространению. Искусствоведы отмечают такие его работы, как The Andy Warhol Museum, Christie’s, Picture Alliance, AP, Stern Magazine, Cinetext и многие другие.

В 1970-е гг. Уорхол приобрел "Полароид", начал самостоятельно фотографировать и потом переводить полученные фото на холст.

К этой серии относятся портрет матери (1974), портрет исследователя творчества Пикассо Джона Ричардсона, портрет галерейщика Лео Кастелли (все - шелкография), а также цветные гравюры (на основе собственноручно снятых фотографий) с изображениями Джейн Фонды (1982) и Ингрид Бергман (1983).

В 1963 г. Уорхол начал снимать фильмы, в основном немые, и на протяжении пяти лет (с 1963 по 1968 г.), во время которых Уорхол занимался "кинопроизводством", он создал несколько сотен фильмов, включая 472 трехминутные кинопробы или портреты персонажей, десятки короткометражек и более 150 фильмов с определенным сюжетом (60 из них были выпущены в свет), переходя от черно-белых немых работ к сценарным цветным фильмам, по своей продолжительности напоминающим обычное кино.

Первый его фильм назывался "Поцелуй" и длился 50 минут, затем были фильмы "Танец", "Стрижка", "Еда", "Сон".

июня 1968 г. психически неуравновешенная писательница, феминистка Валери Соланас, снявшаяся в его фильме "Я - мужчина", серьезно ранила его выстрелом из пистолета. После покушения Уорхол стал постоянно посещать ближайшую церковь, исповедоваться и причащаться. Валери Соланас получила три года тюрьмы и принудительное лечение в психиатрической больнице.

На протяжении всей жизни Уорхол коллекционировал живопись, мебель, драгоценности, предметы декоративно-прикладного искусства. Пресытившись поп-культурой, в 1980-е гг. он стал покупать антиквариат и украшать свое жилище шедеврами классического искусства.

На аукционе "Сотбис" его пеструю коллекцию продали за $ 25,3 миллиона. В ней, кстати, не было ни одной картины самого Уорхола, за исключением маленького портрета Мао Цзэдуна: Энди не хранил дома своих работ. Некролог в "Нью-Йорк Таймс" начинался словами: "Лучшее произведение Уорхола - это сам Уорхол".

Энди Уорхол умер в Нью-Йорке 22 февраля 1987 г. Братья перевезли тело художника в Питтсбург, где похоронили его на территории католической церкви византийского обряда (церковь Св.Духа).

Свое состояние, оценивающееся в 100 млн долларов, художник завещал своему фонду для помощи художественным организациям.

поп арт уорхол творчество

Выставки в Москве

Неделя Уорхола в Москве / Гос. музей изобраз. искусств им. А. С. Пушкина - Энди Уорхол и русский поп-арт в Третьяковке на Крымском валу / Третьяковская галерея на Крымском Валу / сентябрь 2005 г.

Предаукционная выставка дома Phillips de Pury & Co. В рамках выставки показана картина «Камуфляж» / Галерея «Риджина» / 10-12 февраля 2008 г.

Энди Уорхол «Живые портреты» (Выставка к 80-летию Энди Уорхола) / Московский музей современного искусства / 17 декабря 2008 - 8 февраля 2009 г.

Энди Уорхол «Леди и джентльмены»/Галерея К35/ ноября 2009 г.

Заключение

Энди Уорхол - один из крупнейших художников современности. Его творчество неотделимо от такого понятия как «массовая культура». Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути.

Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным.

Энди Уорхол - «человек мира», сумевший показать нам этот мир во всем его великолепии и разнообразии. Творчество художника до сих пор привлекает внимание многих миллионов людей. Следует отметить тот факт, что работы художника являются одними из наиболее продаваемых произведений искусства на сегодняшний день.

Приложение

Список используемой литературы

1. « GalaБиография», август 2006 г.

2.Crone Rainer. Andy Warhol. New York, 1970 y.

.Gidal Peter. Andy Warhol: Films and Painting. London, New York, 1971г.

.Кузьмина М. Поп-арт. - В кн.: Модернизм. 3 изд., М., 1980 г.

.«Success is a Job in New York»: The Early Art and Business of Andy Warhol. New York, 1989 y.

. McShine, Kunastone. Andy Warhol: A Retrospective. New York: MoMA, 1989г.

7. Материалы конференции «Энди Уорхол Симпозиум». 30-31 октября 2000 г. СПб, 2001 г.

. Неделя Уорхола в Москве. М., Галерея Гельмана, 2001г.

. Обухова А., Орлова М. Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму. 1960-1970-е. История живописи. ХХ век. М., Галарт, 2001г.

. Толстой А. Галактика поп-арта «Новая юность» 2001, №4(49)

. Маковский С.: Силуэты американских художников. - М.:Республика, 1999 г.

11. <http://warhol.org.ru/gallery/>